"Heute geht es um die Muschis, bei denen wir sonst nie eine Chance haben!" Für Costa ist das andere Geschlecht wohl der größte Anreiz, eine legendäre Party zu organisieren. Quelle: Warner Bros.

Besonders Costa ist völlig besessen von der Idee, eine Megaparty im Haus von Thomas reichen Eltern zu organisieren. Und so ist er nicht einmal vom Gastgeber selbst zu bremsen, als er nahezu seine komplette Schule einlädt. Thomas ist hin- und hergerissen - einerseits will er nicht ein Langweiler sein, aber auch nicht das Vertrauen seiner Eltern missbrauchen. Doch spätestens als sich mehrere ältere Mädchen und der Star des Baseball-Teams ankündigen, ist alles Zaudern vergessen und die Party des Jahres kann beginnen. Jede Sekunde der Party wird vom schweigsamen Außenseiter Dax gefilmt, da er weiß, wie man mit einer Videokamera umgeht. Das ist gleichzeitig Dax’ einzige Funktion, auf die Handlung nimmt er keinen Einfluss.

Altes Konzept, neue Dimensionen

Natürlich kommt schnell alles anders als geplant. Aus 100 Partygästen werden schnell über 1.000. Die Gartenparty wird auch auf das Haus ausgeweitet, Bier und Schnaps fließen in Strömen und auch der ein oder andere Joint wird angezündet. Selbstverständlich ist das noch längst nicht alles an Drogen, was die Stimmung steigen und alle Hemmungen fallen lässt.

Die Party des Jahres - viel Tiefgang hat der Film allerdings nicht. Quelle: Warner Bros.

Project X ist ein Partyfilm erster Klasse - mehr aber auch nicht. Der Plot ist nicht wirklich originell, dafür aber liebevoll umgesetzt. Der Film setzt auf die altbekannten Handlungsstränge aus Filmen wie Hangover und Superbad - und treibt sie in einer nie dagewesenen Art und Weise auf die Spitze. Produzent Todd Phillips, der bereits Hangover drehte und sich mit eskalierenden Partynächten bestens auskennen dürfte, schafft es, den Zuschauer permanent in der Schwebe zwischen totaler Euphorie und abgrundtiefem Entsetzen zu halten.

Mittendrin statt nur dabei

Auch die filmische Umsetzung ist gut gelungen: Am Set wurden viele kleine Videokameras an die feiernden Statisten verteilt, sodass der Film zeitweise wie eine bunte Collage von Handy-Partyvideos erscheint - dadurch entsteht eine großartige Atmosphäre. Auch die Hauptfiguren werden immer nur aus der Sicht von Dax beziehungsweise anderen Partygästen gezeigt, sodass der Zuschauer mitten im Geschehen ist.

Wer von diesem Film mehr erwartet als Vandalismus, Drogenmissbrauch und Teeniebrüste, wird bitterlich enttäuscht sein. Für alle Anderen, die einfach nur Bock auf über eineinhalb Stunden laute Bässe, gute Laune und die fetteste Hausparty des Jahres haben, ist er genau das richtige.

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Durch den Unfall vergisst Paige ihre Liebe zu Leo. Fotos: Sony Pictures Releasing GmbH

Die ganz große Liebe, ein schönes Schauspielerpaar und ein romantisches Drama - “Für immer Liebe” erfüllt alle Kriterien für einen klassischen Hollywood-Valentinstags-Streifen. Kitschig und vorhersehbar sind üblicherweise die ersten Assoziationen, aber dieses Mal bleibt dieses Klischee unerfüllt. Unaufdringlich und romantisch kommt dieser Film daher. Der Unfall lässt scheinbar nicht nur Erinnerungen sondern auch übermäßigen Kitsch verschwinden. Romantische Situationen gibt es natürlich - sie bleiben aber wohl dosiert und ohne den üblichen Hollywood-Zuckerguß. Vielmehr spielt die Entwicklung die Paige und Leo gleichermaßen durchmachen eine wichtige Rolle. Vielleicht liegt es daran, dass die Geschichte nicht aus der Feder eines Drehbuch-Autors stammt, sondern aus dem realen Leben: Der Film erzählt die Geschichte von dem US-amerikanischen Paar Kim und Krickitt Carpenter.

Paige versteht sich selbst nicht: Warum hat sie ihr Leben so verändert?

Zurück zu einer alten Persönlichkeit

Das Krankheitsbild der Amnesie wurde auch zuvor schon in Filmen genutzt: In “Die Bourne-Identität” ist Matt Damon auf der Suche nach seinem Leben und in “50 erste Dates” muss Adam Sandler Drew Barrymore jeden Tag aufs neue von seiner Liebe überzeugen. In “Für immer Liebe” kämpft Rachel McAdams als Paige nicht so sehr mit dem Vergessen - vielmehr wird ihr eine frühere Persönlichkeit zurückgegeben, die ihr Ehemann Leo gar nicht kennengelernt hat. Die “neue alte Paige” wohnt noch bei ihren Eltern, studiert Jura, trägt schicke Klamotten. Dazu kommt, dass sie mit dem Geschäftsmann Jeremy verlobt ist. Die “Paige” von der Leo ihr erzählt, hat nichts damit zu tun: Sie studiert Kunst, ist Vegetarierin und hat jeden Kontakt zu ihrem wohlhabenden Elternhaus abgebrochen. Paige kann nicht verstehen, wie sich ihr Leben so entwickeln konnte. Bald gibt sie die Suche nach den Erinnerungen auf und bringt damit auch den unermüdlichen Leo zum Kapitulieren.

Leo versucht Paige für sich zu gewinnen und erzählt von ihrem Zusammenleben.

Anders als in der Romanze “Wie ein einziger Tag” (2004) ist Rachel McAdams nicht zwischen der Liebe zu zwei Männern hin und hergerissen. Vielmehr wurde ihr Leben durch den Unfall durcheinander gewirbelt, nun muss sie entscheiden wer sie sein will. Der ursprüngliche Verlobte Jeremy bringt zwar Probleme für Leo, der Konkurrenzkampf steht aber nicht im Fokus des Films.

Channing Tatum als Romantiker

Einer verleiht dem Ganzen doch noch den klaren Liebesfilm-Charakter: Channing Tatum verkörpert Romantik pur. Tatums erster großer Liebesstreifen kann sich sehen lassen. Als Leo erntet er nur Distanz und misstrauische Blicke - nachdem er wochenlang am Krankenbett seiner Frau gewacht hat. Er darf sie nicht berühren, sie schämt sich vor ihm. Die Wohnung gefällt ihr nicht, ihren Lebensstil findet sie befremdlich. Unabsichtlich feuert Paige eine Spitze nach der anderen auf ihn ab. Tatums Charakter ist hin und hergerissen zwischen Verständnis und Geduld auf der einen und dem Bedürfnis diese fremde Frau zu schütteln auf der anderen Seite. Der Spagat gelingt dem Schauspieler: Der Schmerz und die Hilflosigkeit stehen ihm ins Gesicht geschrieben, der Zuschauer fühlt mit.

Leo weiß nicht, wie er mit Paige umgehen soll.

Tatum stellt in diesem Film einen attraktiven und charmanten Musiker dar, einen Romantiker, der seiner Frau die Welt zu Füßen legt. Kurz gesagt: Er spielt den perfekten Mann. Was zu gucken gibt es auch: Nackt schlafen und oben ohne den Müll rausbringen - Szenen, die für ein Raunen in den weiblich besetzten Kinosesseln sorgen. Klischee? Eindeutig. Aber so ein bisschen Kitsch gehört dann wohl doch zu jedem Liebesstreifen. Und auch wenn unklar ist, ob Paige Leo erneut ihr Herz schenken kann - die Herzen der Zuschauerinnen gewinnt er sicherlich.

Fazit: “Für immer Liebe” erfrischt durch mehr Unvorhersehbarkeit bezüglich der Handlung, ohne aber die klassischen Merkmale einer Hollywood-Romanze hinter sich zu lassen. Für Romantiker ist der Film sowieso ein Muss, aber auch wer skeptisch bleibt, kann einen Versuch wagen: Wenn die kitschige Vorgeschichte von Leo und Paige überstanden ist, wird die Liebesgeschichte auf angenehme Art subtil und unaufdringlich.

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Die gute Nachricht: Man braucht kein eingefleischter Basbeball-Fan zu sein, um den neuen Film von Regisseur Bennett Miller („Capote”) zu verstehen. Die vermeintlich schlechte Nachricht: Wer bei “Moneyball” einen typischen actionreichen Sportfilm erwartet, wird enttäuscht.

Am Spielfeldrand herrscht keine gute Stimmung beim Trainer und den Spielern der Oakland A's. Fotos: Sony Pictures Releasing GmbH

Die Lage des Baseballteams der Oakland Athletics ist zu Beginn der Saison 2002 alles andere als gut: Das Budget ist knapp und die besten Spieler wurden von der Konkurrenz gekauft. Die Mannschaft ist “der letzte Hund am Fressnapf”, wie Manager Billy Beane (Brad Pitt) die Situation treffend formuliert. Und genau er, der gescheiterte Baseballspieler, muss jetzt das Team neu aufbauen. Mit einem glücklichen Händchen gelingt es ihm Peter (Jonah Hill) zu rekrutieren: ein schüchterner Absolvent der Yale-Universität und vollkommener Neuling im Baseball-Geschäft. Peter hat ein Händchen für Statistiken und wird schnell zu Beanes Assistenten. Mithilfe von Formeln und Gleichungen wollen sie den Erfolg herbei berechnen. So entdecken sie 25 Spieler, die von der Konkurrenz bisher aussortiert oder ignoriert wurden. Die Gründe: zu viele Verletzungen, zu hohes Alter oder kein passendes Aussehen. In Peters Worten: “Ein Teich voller hässlicher Entlein”.

Leeres Stadion, leere Kassen, frustrierter Brad Pitt.

Geht die neue Strategie auf?

Ein Team mit Computer-Statistiken zusammenstellen? Damit betreten Billy Beane und sein Gehilfe völliges Baseball-Neuland. Da verwundert es nicht, dass die Ideen bei den alten, grauen Beratern der Mannschaft auf Widerstand treffen. Und vor allem Trainer Art Howe (Philip Seymor Hoffman) will sich nicht auf Umstrukturierungen einlassen. Als die Oakland A’s trotz der neuen Strategie ein Spiel nach dem anderen verlieren, sieht sich der Coach bestätigt.

Man erwartet trotzdem, dass die Mannschaft am Ende die Meisterschaft gewinnen wird. Weil Sportdramen so funktionieren. Und tatsächlich rappeln sich alle auf, der Einzelkämpfer Billy Beane beginnt endlich mit den Spielern zu sprechen und die Oakland A’s haben eine unvergleichliche Siegesserie. Die Strategie geht auf - jedoch nicht komplett.

Am Ende findet man keine Spieler, die zu Helden werden, sowieso findet die Handlung größtenteils gar nicht auf dem Spielfeld statt. Das ist der eine Grund, warum “Moneyball” kein typischer Sportfilm ist. Man hat das Gefühl, die Spiele werden nicht auf dem Platz, sondern am Telefon im Hinterzimmer entschieden. Beim Pokern um Spieler. Dabei fallen in schnellen Dialogen Begriffe wie “Walks” und “Fast Ball”, die teilweise verwirren. Ansonsten kann aber auch ein Baseball-Laie der Handlung problemlos folgen. Doch noch viel überraschender ist, dass “Moneyball” ein äußerst ruhiger und unaufgeregter Film ist, ganz anders als der Trailer vermuten lässt. Wenn sich Billy Beane freut, dann im Stillen. Diese Langsamkeit erzeugt Spannung, dazu braucht es keine schwitzenden Sportler oder extreme Zeitlupen. In den entscheidenden Szenen laufen die Spieler ohne Ton durch das Bild und das einzige - und wichtigste - Geräusch erzeugt der Baseball, wenn er auf den Schläger trifft.

Nach ein wahren Begebenheit

Manager und Assistent stellen das Team unter regen Diskussionen neu auf.

Vorlage für den Film sind die tatsächlichen Ereignisse um Manager Billy Beane und die Oakland A’s, die der amerikanische Journalist Michael Lewis in seinem Sachbuch “Moneyball - The Art of Winning an Unfair Game” festgehalten hat. Das Wissen, dass Beane tatsächlich Amerikas Lieblingssport revolutioniert hat, trägt zusätzlich zum Gelingen des Films bei.

Brad Pitt spielt eben diesen Manager brillant, ohne dabei zu aufdringlich zu werden oder einen” Star-Trainer” spielen zu wollen. Zu Recht ist er mit dieser Leistung als “bester Hauptdarsteller” für die Oscars nominiert. Zwar ist “Moneyball” mit nur sechs Nominierungen kein Top-Favorit, dennoch würde man vor allem Jonah Hill den Preis als “bester Nebendarsteller” gönnen. Als Peter verkörpert er glaubhaft den Neuling im Baseball-Geschäft, der - genauso wie der Zuschauer - das ein oder andere Mal verblüfft ist, über das, was abseits des Baseballfelds passiert.

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Intruders ist ein Horrorfilm. Es geht um die Geschichte zweier Kinder, Juan und Mia, die getrennt von Raum und Zeit leben. Sie haben jedoch eine gemeinsame Furcht, die Furcht vor dem Einschlafen. Sie leiden unter mysteriösen Albträumen in der Nacht. Diese Albträume sind die Basis von “Intruders”, dem dritten Film des spanischen Regisseurs Juan Carlos Fresnadillo.

Mia hat jede Nacht Albträume. Ihre Mutter versucht ihre Tochter zu verstehen. Quelle: Universal Pictures

Der Junge Juan ist eigentlich ein lebendiges Kind. Er wächst im grauen Spanien, in der Zeit der spanischen Diktatur von Francisco Franco auf. Er lebt gemeinsam mit seiner Mutter, einer alleinerziehende Frau, in Spanien. Das kleine Mädchen Mia ist aus England und lebt mit ihren Eltern in London. Die Eltern der beiden Kinder sind in großer Sorge. Sie versuchen das Geheimnis der Albträume ihrer Kinder zu entwirren und entdecken letztendlich, warum ihre Kinder diese Ängste aufweisen. Während Mias Großmutter, Luisa (gespielt von Pilar Lopez de Ayala) bei einem jungen katholischen Priester (gespielt von Daniel Brühl) Hilfe sucht, versuchen Mias Eltern eine Lösung bei einem renomierten Psychologen aus London zu finden.

Laut dem Regisseur, der ursprünglich von den Kanarischen Inseln stammt, löst der Film kein Entsetzen aus. Es ist ein Krimi, mit viel Fantasie. Ein Film, der die Ängste von Kindern beschreibt, die wir alle bereits wahrscheinlich während unserer Kindheit erlebt haben. Die Angst vor dem “Closet Monster”, also dem Monster im Kleiderschrank. Der Film zeigt sehr anspruchsvolle Spezialeffekte, die die Angst bei dem Zuschauer verstärken sollen.

Das offizielle Intruders Filmplakat. Quelle: Universal Pictures

Wer ist Juan Carlos Fresnadillo?

Juan Carlos Fresnadillo ist ein Regisseur aus Spanien. Er begann seine Karriere in Hollywood, mit der Regie des Films “28 Tage später”, dann mit der Forsetzung “28 Wochen später”. Ein weiterer Film, dass die dunkle Seite des Menschen erforscht, um zu zeigen, was auf der Erde nach einer Zombie-Invasion passieren würde. Diese Filme führten ihn direkt in die Hollywood-Studios, wo er nun vollkommen angekommen ist. Er arbeitet derzeit engagiert für Projekte mit Steven Spielberg. Fresnadillos nächstes Projekt ist die Verfilmung von “Die Krähe”.

Sein neuester Film “Intruders” ist nicht nur eine internationale Produktion, weil der Schauspieler Clive Owen in diesem Film mitspielt. Auch der deutsch-spanische Schauspieler Daniel Brühl spielt in diesem Film mit. Als Sohn einer Spanierin, spricht er sehr gut Spanisch. Er hat bereits in vielen anderen spanischen Produktionen mitgespielt, wie zum Beispiel in dem Film “Salvador”, der 2006 in die Kinos kam. Es gibt viele weitere erfolgreiche Filmkooperationen zwischen Deutschland und Spanien.

Weitere Beispiele

FIlmproduktionen, wie zum Beispiel “Transsiberian”. In diesem Film haben der spanische Schauspieler Eduardo Noriega und der deutsche Schauspieler Thomas Kretschmann mitgespielt. Auch im Jahre 2011, konnte man in den Kinos eine Produktion zwischen Frankreich, Polen, Deutschland und Spanien sehen, der Film: “Der Gott des Gemetzels”, von dem erfolgreichen Direktor Roman Polanski. Der Film war eine Anlehnung an das Theaterstück von Yasmin Reza “Le dieu de Carnage”.

Der Film Dr. Alemán kam 2008 in die Kinos. Quelle: Paramount Pictures

Man merkt, dass es in den letzten Jahren eine Tendenz zu mehr internationalen Produktionen gegeben hat. Ein weiteres Beispiel für eine gute internationale Produktion ist “Dr. Alemán” (2008), von dem deutschen Regisseur Tom Schreiber. Der Film handelt von einem deutschen Medizinstudenten, der sein praktisches Jahr in Südamerika absolvieren möchte. Gespielt wird dieser von dem deutschen Schauspieler August Diehl, der auch zusammen mit Daniel Brühl in “Inglorious Basterds” (2009) gespielt hat.

Ein guter Weg

Man kann sagen, dass internationale Produktionen, die heutige Filmindustrie bereichern und verbessern. Die Inhalte der Filme weisen verschiedene kulturelle Hintergründe auf, wie zum Beipsiel auch “Intruders”.

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Die Hauptdarsteller Jean Dujardin und Bérénice Bejo zeigen auch in einigen Tanzszenen ihr Können. Fotos: Delphi Filmverleih

Schon zu Beginn des Films ist vieles anders als gewöhnlich: Die Logos der Studios sind schwarz-weiß und an den Rändern sind schwarze Balken zu sehen, da der Film im 4:3-Format gedreht wurde. In der ersten Einstellung kommt kein Ton aus dem zu einem Schrei geöffneten Mund Valentins. Stattdessen erwarten den  Zuschauer Texteinblendungen wie “Rede!” und eine mal traurige, mal beschwingte Orchester-Musik.

Der Film überzeugt auch mit großem visuellen Einfallsreichtum.

Das Werk eines eingespielten Teams

Regisseur Michel Hazanavicius machte sich durch die Agentenparodien “OSS 117 - Der Spion, der sich liebte” und “OSS 117 - Er selbst ist sich genug” einen Namen in seiner Heimat Frankreich. Im ersten Film spielte Hazanavicius derzeitige Lebensgefährtin Bérénice Bejo die weibliche Hauptrolle, die männliche übernahm in beiden Filmen Jean Dujardin. Dieser nahm nach anfänglichem Zögern auch in “The Artist” die Hauptrolle an - und fand mehr und mehr Gefallen daran. Um sich ganz in ihr vertiefen zu können, lebte Dujardin während der Dreharbeiten in einem Haus aus den 30er-Jahren in den Hollywood Hills.

An seinem Spiel gibt es wahrlich nichts auszusetzen, im Gegenteil. Bei ihm und der Hauptdarstellerin Bérénice Bejo lässt sich jede Gefühlsregung an der Mimik ablesen. In solchen Momenten kann man George Valentins Ablehnung des Tonfilms verstehen. Wer braucht ausschweifende Dialoge, wenn ein Blick oder eine Geste ausreicht? Dass auch Umgebungsgeräusche fehlen, fällt erst wirklich bei eine Albtraumszene Valentins auf, in der er (und der Zuschauer) plötzlich Geräusche hören kann, seine eigene Stimme bleibt jedoch weiter stumm. Diese Szene verdeutlicht, dass diejenigen, die bei Stummfilmen an Charlie Chaplin denken, enttäuscht sein werden: Slapstick ist in “The Artist” nicht zu finden. Zwar bietet der Film durch seinen Einfallsreichtum einige Lacher, allerdings ist er weder Komödie noch die Romanze, als die er manchmal beworben wird. Vielmehr erzählt er gleichzeitig die Geschichte eines fallenden Stars und einer aufstrebenden jungen Schauspielerin.

Der heimliche Star des Films ist der Jack Russell Terrier Uggie, der in Cannes mit dem "Palm Dog Award" für die beste Hunde-Performance ausgezeichnet wurde.

10 Oscar-Nominierungen

Für ihren Mut und die großartig inszenierte Hommage an die Anfänge der großen Hollywood-Filme wurde “The Artist” bislang mit Preisen überschüttet. Er gewann bereits drei Golden Globes für Bester Film (Komödie oder Musical), Bester Hauptdarsteller (Komödie oder Musical) und Beste Filmmusik. Dazu ist er zehn Mal für die kommenden Oscar-Verleihungen nominiert. Darunter auch in den wichtigen Kategorien Bester Hauptdarsteller, Beste Nebendarstellerin, Bester Film und Beste Regie. Ein Oscar für den Franzosen Jean Dujardin wäre äußerst bemerkenswert: Erst einmal ging der Oscar als Bester Hauptdarsteller an einen nicht-englischsprachigen Schauspieler; 1999 gewann Roberto Benigni mit “Das Leben ist schön”.

Dieser Film ist nicht nur für Nostalgiker und Cineasten sehenswert, sondern für jeden, der einmal etwas Neues - das eigentlich alt ist - erleben möchte. Die Leichtigkeit, mit der diese Art Kino heute noch funktioniert und bezaubert, erstaunt. Schon durch seine ganz besondere Machart zieht er den Zuschauer in den Bann. Dialoge werden nicht benötigt, es reichen allein Einfallsreichtum, hervorragende Schauspieler und eine gute Geschichte, um kurzweilig zu unterhalten. Wie man sich diesen Film ansehen sollte, beantwortet George Valentin mit seinen zwei einzigen gesprochenen Wörtern: “Mit Vergnügen”.

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Country Roads: Meike (Nora Tschirner) ersteigert auf einer Zoll-Auktion einen amerikanischen Jeep. Das ist der Anfang ihrer Rebellion. Fotos: Paramount Pictures Germany/Volker Roloff.

Eine ganz durchschnittliche Frau

Meike kommt aus Geilenkirchen. Ein Ort, in dem das Schützenfest der Jahreshöhepunkt ist. Hier geht alles seinen geregelten Gang. Trotzdem, Meike hat alles, was sie braucht: das BWL-Studium abgeschlossen, die Karriere im väterlichen Betrieb gesichert, den Mann für’s Leben (Max von Pufendorf) gefunden. Aber reicht das?

Ihr nicht. Meike träumt schon lange von einer Reise ins Ungewisse, in die grenzenlose Ferne - am besten in die Sahara. Ein erster Schritt dorthin: Auf einer vom Zoll organisierten Auktion ersteigert Meike für 6.500 Euro einen wuchtigen Jeep. Der Vater staunt, die Mutter verzweifelt und ihr Verlobter Philip, ein angehender Jurist, weiß gar nicht, was mit seiner Meike los ist. Die lächelt nur. Doch Meike hat in der Tat ein gutes Geschäft gemacht: Als sie im Kofferraum nach einem Ersatzreifen sucht, findet sie Massen an kleinen Päckchen Koks im Jeep. Mit Badezimmerwaage und Dreisatz rechnet Meike den Wert ihres Fundes aus - 2,5 Millionen Euro. Eigentlich will sie Philip ja berichten, was sie da unter der Verkleidung entdeckt hat und dann mit ihm zur Polizei gehen. Doch als sie ihren Verlobten Philip beim Sex mit ihrer besten Freundin erwischt, ist der Tag gekommen: Meike schmeißt alles hin und verlässt in einer Nacht- und Nebelaktion ihr Heimatdorf, samt Koks.

Eben noch war Meike Juniorchefin im väterlichen Betrieb - jetzt vertickt sie lieber Kokainplatten auf der Suche nach dem Sinn des Lebens.

Mit Koks in die Sahara

Kann ja so schwer nicht sein, denkt sich Meike - und will das Koks jetzt doch lieber an den Mann bringen, als zur Polizei zu gehen. Aber das Dealerleben ist nicht ohne: Vor einer Düsseldorfer Disko macht Meike erste Gehversuche. Sie findet ihre ersten Kunden und wird von denen prompt verprügelt, statt bezahlt. Der junge Mann Salim, der die Szene beobachtet, eilt zu Hilfe und verarztet sie mit seiner Freundin Sarah in deren Wohnung. Am nächsten Tag sitzen die beiden nebeneinander im Jeep - Salim ist Berliner und Meike hat ihm angeboten, ihn zum Dank für die nächtliche Rettung mit in die Hauptstadt zu nehmen. Mitten im Smalltalk berichtet Meike ihrem Beifahrer vom Koks im Kofferraum. Der lacht: “Bist du in der Kokain GmbH und Co. KG?” Meike will den Typen nur schnell loswerden, denn diese Art Jungs, die sich selbst toll finden, sind nicht ihr Ding.

Dealen, prügeln, knutschen

In der Hauptstadt angekommen, sind die Probleme nicht aus der Welt: Längst wird Meike per Peilsender von Tuschi, Julian und Ulf verfolgt. Die drei halbstarken Gauner sind die ursprünglichen Besitzer des Stoffes und wollen ihre Ware mit aller Macht zurückerlangen. Wenn es sein muss, auch mit Gewalt. Und Meike wird schnell klar: Vielleicht ist es doch gar nicht so verkehrt, Salim in der Nähe zu haben. Und so schlecht sieht der ja eigentlich auch nicht aus, wenn sie ehrlich ist.

Wo soll das hinführen? Meike muss mit blauem Auge erkennen, dass die Koks-Nummer etwas zu groß für sie allein ist.

Seichte Komödie - top Besetzung

Offroad erfindet das Rad nicht neu und die Handlung ist vorhersehbar. Der Film ist eine leichte Komödie für einen lockeren Abend - lustig bis albern, aber mit einer experimentierfreudigen und beeindruckenden Kameraführung. Nora Tschirner geht in der Rolle der Meike völlig auf. Sie spielt authentisch, glaubwürdig und mit ihrem ganz persönlichen frechen Charme. An ihrer Seite macht Elyas M’Barek (auch bekannt aus dem Film “Türkisch für Anfänger”) das weibliche Publikum glücklich. Mit Axel Milberg und Dominic Raacke sind auch die Nebenrollen gut besetzt.

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Christian Ulmen spielt den 18-Jährigen Jonas, der zurück an die Schule geht um seinen Abschluss nachzuholen. Foto: Delphi Filmverleih

Sechs Wochen drehte Ulmen an der Paul-Dessau-Gesamtschule in Brandenburg und lebte dort den ganz normalen Schulalltag. Der Zuschauer erfährt im Film nicht, wer eingeweiht war und für wen tatsächlich “Jonas” und nicht Ulmen auf der Schulbank saß. Die Zeitung “DIE ZEIT” verrät: Lehrer und Rektorat wussten Bescheid, die Schüler nicht. Ihnen wurde mitgeteilt, dass Jonas neu an die Schule komme, um die 10. Klasse zu wiederholen. Dabei begleite ihn ein Kamera-Team für eine TV-Dokumentation.

Die Provokation steht nicht im Vodergrund

Jonas größtes Problem ist Mathe. Mit schlechten Noten riskiert er, nach der Probezeit die Schule wieder verlassen zu müssen. Foto: Delphi Filmverleih

“Uwe Wöllner” und “Alexander von Eich” sind zwei der früheren Charaktere von Christian Ulmen. Wer sie schon einmal in den Reality-Serien auf ulmen.tv gesehen hat weiß, exzentrischer könnten die Figuren nicht sein: Ein infantiler Arbeitsloser und ein rassistischer Adliger. Das sind nur Beispiele, denn bisher ging der Schauspieler in seinen Undercover-Rollen grundsätzlich ins Extrem um maximal zu provozieren. In “Jonas” geht Ulmen einen neuen Weg: Anstatt die Situation zu bestimmen, ist er vielmehr als Beobachter unterwegs. Sein Charakter ist weniger übertrieben und bietet dementsprechend nicht so viel Reibungsfläche. Trotzdem trägt die Figur den Ulmen-Stempel: Herzensgut, aber häufig viel zu direkt und etwas zu kommunikativ wirkt Jonas auf Schüler und Lehrer doch ein bisschen befremdlich. Charakterliche Parallelen sind eher zu Ulmens Rolle als “Günter” in “Männerherzen” zu erkennen. So bietet der Film zwar kein Pointen-Feuerwerk, lebt aber trotzdem von vielen kleinen witzigen Momenten, die eher subtil daher kommen.

Dokumentarcharakter spielt wichtige Rolle

Obwohl die Lehrer wussten, dass Ulmen den Schüler nur spielt, haben sie ihn wie einen normalen Schüler behandelt. Foto: Delphi Filmverleih

Im Grunde wurden nur Eckpfeiler der Handlung abgesteckt: Jonas ist in der Probezeit und muss sich im Unterricht bewähren, wobei klassisscherweise Mathe der besondere Albtraum ist. Er verliebt sich unglücklich in die Musiklehrerin Frau Maschke, die er mithilfe seiner selbst gegründeten Schülerband beeindrucken will. Alle restlichen Handlungen und Dialoge ergeben sich aus dem Schulalltag und der Interaktion mit Lehrern und Mitschülern. Dabei tritt der Charakter des Dokumentarfilms in den Vordergrund. Ulmen liefert mit “Jonas” kein sozialkritisches Stück, in dem Missstände des Schulsystems aufgezeigt werden sollen. Vielmehr fängt er in seinem Film viele ehrliche Momente ein und füllt so ein System mit Leben. Zum Bespiel lernt der Zuschauer den Chemielehrer kennen, der besorgt ist, weil der Klassendurchschnitt im Test bei der Note fünf liegt. Oder eine Lehrerin, die über die Existenz von Gott sinniert. Oder die frustrierten Schüler, die sich in ihrer Gruppenarbeit ungerecht benotet fühlen. Christian Ulmen schafft es in solchen Szenen in den Hintergrund zu treten und den Geschichten des Alltags die Bühne zu überlassen.

Zwischen den jungen Schülern fällt auf, dass Christian Ulmen wesentlich älter ist. Foto: Delphi Filmverleih

Verjüngung gelingt nur teilweise

Schwer auszublenden bleibt, dass Ulmen ein erwachsener Mann ist und kein jugendlicher Schüler. Die Verjüngung des 36-Jährigen durch Schminke und Fransenschnitt helfen der Vorstellung zwar auf die Sprünge, aber Jonas erscheint doch häufig zwischen den 15 oder 16 Jahre alten Mitschülern als Fremdkörper.

“Jonas” ist kein großes Kino-Event mit überraschenden Wendungen, Katastrophen oder herzzerreißende Liebesgeschichten. Der Film kommt gänzlich ohne Extrema aus. Stattdessen besticht er mit dem Zusammenspiel aus dem subtilen Humor von Christian Ulmen und einer ehrlichen, erfrischend unspektakulären Handlung direkt aus dem Leben.

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Quelle: Constantin Film

Die Demaskierung von Menschen machte selten mehr Spaß: Roman Polanski zeigt in seinem aktuellen Film “Der Gott des Gemetzels“, welche Abgründe sich hinter der bildungsbürgerlichen Fassade auftun. Mehr als eine Wohnung und vier überzeugende Protagonisten braucht er dazu nicht. Das Resultat ist ein minimalistischer, aber gleichwohl intelligenter Film über die Schlechtheit des Menschen – Misanthropie, die ganze Kinosäle zum Lachen und Nachdenken bringt.

Roman Polanski erlaubt uns mit “Der Gott des Gemetzels“ einen bitterbösen Blick in den Spiegel. Der Mensch ist das Monster. Wer braucht da schon Vampire oder Zombies? Vorlage für den Film ist das erfolgreiche Theaterstück “Le dieu du carnage“ der Dramatikerin Yasmina Reza. Die Grundstory ist genauso reduziert wie der Handlungsort des Filmes, der sich, abgesehen von Prolog und Epilog, auf eine New Yorker Wohnung beschränkt: Dem Sohn von der politisch korrekten Weltverbesserin Penelope Longstreet (Jodie Foster) und ihrem Mann Michael Longstreet (John C. Reilly) wurden bei einem Streit zwei Zähne mit einem Stock ausgeschlagen. Verantwortlich hierfür ist der Sohn des gutsituierten Elternpaares Cowan. So weit, so schmerzhaft. Das Ehepaar Cowan wird in die Wohnung eingeladen, um das Geschehen zivilisiert abzuwickeln und gemeinsam einen Bericht für die Versicherung zu schreiben. Bei Kaffee und Small Talk im Wohnzimmer dürften die verantwortungsvollen Erziehungsberechtigten das Ärgernis mühelos aus dem Wege räumen.

Vier Menschen und viele, viele Abgründe. Quelle: Constantin Film

Der Filmtitel verrät bereits, dass dies natürlich nicht gelingen wird. Alan Cowan (Christoph Waltz) und seine Frau Nancy (Kate Winslet) werden anfänglich mit allen Höflichkeiten empfangen und verurteilen im Gegenzug die gewaltsame Tat ihres Sprösslings. Doch die Verschiedenartigkeit der Charaktere, gegensätzliche Ansichten, Lebensentwürfe, Beziehungsprobleme und Lebenslügen überschatten zusehends das Aufeinandertreffen. Bissige Dialoge, wechselnde Solidarisierungen und Feindschaften in dem Quartett und die unausweichlichen Eskalation in eingeengter Umgebung lassen „Der Gott des Gemetzels“ zu einem der interessantesten Filme des Jahres werden. Die Wohnung lässt genug Raum für Konflikte.

Wie schon bei “American Beauty“ sorgt das Ablegen von Masken und Konventionen eines Durchschnittsbürgers für Lacher und Überlegungen über die Natur des Menschen. Das alles schafft Polanski mit der ausschließlichen Fokussierung auf den Dialog, oder besser gesagt, “verbalem Gemetzel“, und einem Sinn für Details. Ohne die herausragenden Leistungen der vier Protagonisten wäre dieser bissige Film allerdings nicht umsetzbar. Christoph Waltz brilliert als gewissenloser Karrieremensch und hat die Lacher auf seiner Seite. Wahrscheinlich ist er als offenkundig unsolidarischer Mensch sogar von Anfang an der einzige ehrliche Charakter in dieser Komödie. Als Anwalt vertritt er ein Pharmaunternehmen, das wissentlich ein gesundheitsgefährdendes Medikament vertreibt.
Immer wieder wird das Schlichtungsgespräch der ungleichen Paare unterbrochen, wenn Christoph Waltz an sein Handy gehen muss, um dem Pharmakonzern zur Seite zur stehen. Wie schon bei “Inglourious Basterds“ ist ihm die Rolle des smarten, rhetorisch begabten Bösewichts auf dem Leib geschrieben.

Christoph Waltz überzeugt als zynischer Karrieremensch. Quelle: Constantin Film

Jodie Foster überzeugt ebenfalls im Klischee der Menschenfreundin und Afrika-Aktivistin, die sich allen Unterdrückten der Welt verschrieben hat. Ihre Selbsterhöhung als Pazifistin und ihre steten Moralpredigten werden aber schließlich von ihrer Unzufriedenheit und den dunklen Seiten ihres Charakters überschattet. Und genau das ist die Essenz des Filmes: Wenn Menschen beginnen, schonungslos das zu sagen, was sie wirklich meinen, wird es interessant. Denn genau dies verbietet die Moral. Etwas Alkohol und Wut im Bauch lassen diese aber schnell vergessen.

Auch für Nancy (Kate Winslet) verläuft das Treffen anders als geplant. Quelle: Constantin Film

Der Zuschauer kann so sehen, wie der teure Kristallleuchter des Anstands fulminant zerschlagen wird und Nihilismus und Hemmungslosigkeit hervortreten. Kate Winslet verwandelt sich von der gestylten Investmentbankerin mit Manieren zur angriffslustigen und großartig betrunkenen Furie, und John C. Reilly vom fürsorglichen Vermittler zum desillusionierten Zyniker, der mehr von Hochprozentigem als von Menschen hält. Essentielle Themen wie Schuld, Verantwortung, Liebe, Egoismus, Solidarität und Glück werden auf beengtem Raum aufgegriffen. Die Söhne, der eigentliche Grund des Treffens, verkommen zur Nebensache. Doch, so die Grundaussage des Films: Der Mensch ist eigentlich primitiv. Christoph Waltz verdeutlicht dies, wenn er in der Rolle des souverän gekleideten Anwalts sagt, dass Menschen beim Sex kaum das Ave Maria aufsagen. Roman Polanski, der diesen Film in Paris drehte, konstruiert ein hintergründiges, schwarzhumoriges Charakterstück. Unbedingt sehenswert.

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Alexander (Matthias Schweighöfer), Kumpel Jan (Denis Moschitto), seine Brüder Jürgen (Detlev Buck) und Basti (Maximilian Brückner) in ihrer Männerbude. Foto: Universal

Alexander (Matthias Schweighöfer) ist Theaterschauspieler - ohne großen Erfolg. Seine größten Fans heißen Wilma oder Helga und sind so alt wie sie heißen. Er hat zwar einen Manager, doch der ist sein Bruder Jürgen (Regisseur Detlev Buck), der so chaotisch ist wie die Bude, in der Alex und er zusammen mit ihrem Bruder Basti (Maximilian Brückner) und dessen Kumpel Jan (Denis Moschitto) wohnen. Dennoch ist Jürgen derjenige, der einen Hoffnungsschimmer liefert: Er schickt Alex zu einem Casting für einen richtigen Hollywood-Film über die NS-Zeit. Der Haken: Alex wurde versehentlich als “Alexandra” angemeldet und soll für die weibliche Hauptrolle vorsprechen. Die große Chance fest im Blick beschließt Alexander, als Frau verkleidet dennoch am Casting teilzunehmen.

Tatsächlich bekommt Alex die Rolle der BDM-Führerin Maria Schneider. Beim Feiern mit seinen Männern im Park trifft er auf die schöne Sarah. Nach einer gemeinsamen Nacht lässt Sarah den verliebten Alex ohne gemeinsames Frühstück zurück. Was Alex nicht weiß: Sarah Voss ist ein berühmtes Model und Schauspielerin und spielt ebenfalls in dem neuen Hollywood-Film mit. Als Alex dies, als Alexandra verkleidet, am Set herausfindet versucht er alles, um ihr nahe zu sein und gleichzeitig sein Täuschungsmanöver nicht auffliegen zu lassen. So werden sie beste Freundinnen, reden über Sex (ohne Sarahs Wissen, auch über den Sex, den sie gemeinsam hatten), Beziehungen und kommen sich immer näher. Doch mit dem großen Geheimnis zwischen ihnen und weiteren Verehrern für beide “Frauen” ist das Chaos vorprogrammiert.

Witz statt Spannung

Beim Junggesellinnenabschied von Sarahs Schwester fragt "Alexandra" Sarah unauffällig nach ihren Gefühlen für Alex. Foto: Universal

“Rubbeldiekatz” ist vor allem eins: lustig. Weder Spannungsaufbau, noch Kameraeinstellungen sind besonders. Obwohl Alex ständig in Gefahr ist aufzufliegen, fiebert der Zuschauer nicht richtig mit und auch die Liebesgeschichte zwischen Alex und Sarah verläuft bis zum Ende ohne Nervenkitzel. Stattdessen kriegt der Zuschauer ein Übermaß an Slow-Motion-Sequenzen und Close-ups geboten.

Das Hauptstilmittel des Films: Übertreibung

Von Eva Padberg, den MTV-Home-Moderatoren Klaas Heufer-Umlauf und Palina Rojinski über den Schauspieler und Comedian Max Giermann, der den Schauspieler von Hitler spielt, sind viele deutsche Stars vertreten. Der Film lebt von dieser hohen Anzahl an Gastauftritten - und von Übertreibung, wie überspitzten Kontrasten und Witzen. Die Übertreibung macht besonders bei den Kontrasten Sinn: Durch eine Gegenüberstellung von typisch weiblichen Attributen und Verhaltensweisen von Sarah und “Alexandra” auf der einen, und typisch männlichen von Alex Brüdern auf der anderen Seite, wird Alex schwierige Situation zwischen den Geschlechtern verdeutlicht. Kichern, heulen und Eiscreme versus Grillwürste, Eishockey und Bierdosenkunst.

"Alexandra" und Jürgen treffen am Filmset auch auf den Schauspieler, der Hitler spielt (Max Giermann) und der für lustige Momente sorgt. Foto: Universal

Der überspitzte Humor des Films ist meist schlicht und gar nicht subtil. Während dies bei Szenen, in denen Alex auf Kondomen ausrutscht, nur ein müdes Lächeln hervorruft, funktionieren andere Witze viel besser. Besonders bei Max Giermann, der als Hitler-Schauspieler für skurrile Momente sorgt: Er trägt Schuhe mit Deutschland-Flagge und hat auf dem Set ein eigenes Dixieklo mit “Hitler”-Aufschrift. Witzig ist übrigens auch der Nachname von Alex und seinen Brüdern: Honk.

Warum “Rubbeldiekatz”?!

Bleibt noch zu klären: warum “Rubbeldiekatz”? “Rubbeldiekatz” ist zum einen eine Redewendung von Jürgen Honk. Zum Beispiel beim Eishockeyspiel (”Rubbeldiekatz rein hier”) oder im Auto (”Na dann fahren wir Rubbeldiekatz”) benutzt er den Ausdruck als synonym für “schnell”. Obwohl auch ein schwuler Modedesigner (Milan Peschel) am Filmset das Wort einmal verwendet, ist der Filmtitel wahrscheinlich auf Alex Bruder Jürgen zurückzuführen, der auch die Katze der Männerwohnung “Rubbeldiekatz” genannt hat. Sarah, die in einer Einstellung einen Slip mit Katzenmotiv trägt, ist neben der Katze die zweite “Frau” im Leben der Männer, und somit auch eine “Rubbeldiekatz”. Alles klar?

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Immer adrett gekleidet: Tom Cruise als Ethan Hunt. Fotos und Teaserfoto: Paramount Pictures Germany

Ein drohender Atomkrieg. Lange Zeit nach dem kalten Krieg ein eher ungewöhnliches Szenario. Außer, der halbe Kreml fliegt in die Luft und die USA sollen Schuld sein, genauer gesagt: Ethan Hunt und sein Team. Die Explosion wird als Akt eines nicht erklärten Kriegs gewertet, kein Wunder, dass die Russen ziemlich sauer auf die Amerikaner sind. Der Präsident versucht Schadensbegrenzung zu betreiben und leugnet die Existenz der IMF. Hunt und sein Team werden von den Russen schließlich als vogelfreie Terroristen gejagt.

Ein perfider Plan

Dabei hat jemand Hunt und die Russen reingelegt. Denn hinter dem Bombenattentat steckt Kurt Hendricks (Michael Nyquist) mit einem ganz bestimmten Kalkül: Der Bösewicht will den Atomkrieg erzwingen, um die Menschheit zu selektieren. Es wird klar, Hendricks ist ein unberechenbarer Soziopath und ein gefährlicher Gegner. Da er im Besitz einer antiquierten, aber immer noch funktionsfähigen Abschussvorrichtung für russische Atomraketen ist, ist Eile geboten. Dabei geht die Jagd nach Hendricks um die halbe Welt.

Ethan Hunt ist beim schwierigen Vorhaben Hendricks zu fangen nicht auf sich allein gestellt. Aus den letzten Teilen kennt man noch Technikprofi Benji Dunn (Simon Pegg), der mittlerweile auch Außeneinsätze bestreiten darf. Dazu gesellen sich die attraktive Agentin Jane Carter (Paula Patton) und der geheimnisvolle William Brandt (Jeremy Renner). Erschwert wird die Mission der versprengten Gruppe dadurch, dass jegliche Rückendeckung und damit auch die beliebten technischen Spielereien, wie zum Beispiel die perfekten Masken aus den vergangenen Teilen, nur teilweise funktionsfähig sind.

Das Burj Khalifa, das höchste Gebäude der Welt, ist mit 828 Metern Höhe kaum für waghalsige Kletterszenen geeignet. Eine brenzlige Situation vor grandioser Kulisse für Hunt (l.) und Agenten-Kollege Brandt.

Das ist auch das große Problem des Teams an der ersten Station: Dubai. Im größten Gebäude der Welt, dem Burj Khalifa, soll die Übergabe von Raketenabschuss-Codes verhindert werden. Die benötigt Hendricks, um den Plan letztlich durchzuführen und einen Erstschlag auf die USA durchzuführen. Dabei wird das Team durch technische Probleme immer wieder gezwungen zu improvisieren. So auch, wenn es darum geht, die Elektronik des Gebäudes anzuzapfen, denn der Serverraum ist nur von außen erreichbar. Hunt muss sich also auf eine Kletterpartie der besonderen Art einstellen, um erfolgreich zu sein.

Brandt - der "Neue" - muss sich erst auf die ungewöhnlichen Methoden des Teams einstellen.

Um nicht zu viel vorweg zu nehmen: Dies ist nur ein vorläufiger Höhepunkt des Films, die Jagd ist noch lange nicht abgeschlossen. Neben der ausgeklügelten Action muss Hunt auch mit den Charakteren in seinem Team klarkommen, wobei der Kollege Brandt eine unbekannte Größe darstellt. Kann man dem geheimnisvollen Bürohengst genug vertrauen? Gelingt es dem Team Bösewicht Hendricks zu fassen, bevor dieser seinen schrecklichen Plan in die Tat umsetzen kann? Im Mumbai kommt es schließlich zum finalen Showdown, ob der Welt ein Atomkrieg bevorsteht.

Jede Menge Action

Mission: Impossible - Phantom Protokoll fügt sich nahtlos in die eigentlich als Trilogie geplante Reihe ein und macht dabei vieles richtig: Die Story, so abgedroschen und geradlinig sie auch sein mag, reißt mit und ist spannend. Die Besetzung ist hochkarätig und dieser riesigen Produktion angemessen, ob man Tom Cruise mag oder nicht, ist Geschmackssache. Die Action, Hauptelement des Films erzeugt zusätzlich Spannung, auch weil vieles nicht auf Anhieb klappt. Zwar misslingt der Versuch die Charaktere mit mehr Tiefe auszustatten, aber das ist nur ein kleiner Makel. Wer Actionfilmen sehr kritisch gegenübersteht, sollte einen Bogen um den Film machen, die Logik bleibt teilweise auf der Strecke. Wer sich überraschen lassen will, ist mit Mission: Impossible - Phantom Protokoll aber gut bedient. Für Actionliebhaber und Fans der Reihe ist der Kinobesuch sowieso ein absolutes Muss.

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Quelle: Youtube

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