Das Theater an der Volme: Hier übt sich pflichtlektüre-Autorin Laura Lucas in der Kunst des Schauspielens. Fotos: Laura Lucas, Teaserfoto: olga meier-sander/pixelio.de

Meine ersten Schritte als Theaterschauspielerin mache ich mit einem Krückstock. Als eine der “Huit Femmes” spiele ich “Mamy”,  eine rüstige, etwa 70-jährige Frau, laut Rollenbeschreibung eine “nette alte Dame mit weißen Haaren”. Es ist meine erste Probe mit der Laienschauspieltruppe im Theater an der Volme. Doch bevor es mit dem Schauspielen losgeht, stehen erst einmal Bühnenübungen auf dem Programm. Texte lernen mussten wir zwar noch nicht, aber das Stück sollten wir schon lesen. Auf dieser Grundlage sollten wir uns dann eine Biographie für unsere Rolle ausdenken, damit wir uns besser mit ihr identifizieren können, wenn wir spielen. So weit so gut.

Indra Janorschke leitet das Theater an der Volme. Sie ist Schauspielerin und Dramaturgin und schreibt auch eigene Theatertexte.

Indra Janorschke, die Leiterin des Theaters an der Volme, ist auch die Regisseurin dieser Laienproduktion. Sie hatte uns den Tipp gegeben, sich ein bestimmtes Accessoire auszusuchen, das unsere Rolle unterstützt. Da stehe ich nun also mit meinem Krückstock, schließlich bin ich ja alt. Ansonsten bin ich aber noch Laura mit Jeans, Sneakers und blonden Haaren und fühle mich mit meinen 22 Jahren eigentlich gar nicht alt. Genau das sei auch die Herausforderung bei meiner Rolle, lerne ich gleich zu Anfang. Ich muss spielen, ohne mich dabei auf meine eigenen Erfahrungen berufen zu können. Meine Enkeltochter Catherine, die ja eigentlich Carola heißt, hat es da ein bisschen leichter. An ihren sechzehnten Geburtstag kann sie sich noch bestens erinnern, während ich mir beim besten Willen nicht ausmalen kann, wie es ist, 70 zu sein. Also muss ich auf meine Beobachtungen von alten Damen zurückgreifen. Und das tue ich dann auch in der ersten Übung.

Erste Gehversuche auf der Bühne mit Krückstock

Catherine, also Carola, und ich stehen gemeinsam auf der kleinen, schwarzen Holzbühne. Die Scheinwerfer sind aus und der Theatersaal verlassen. Wir sollen auf der Grundlage unserer zuvor erarbeiteten Biographien improvisieren. Auf der Bühne steht nichts weiter als eine Bank, wir sollen uns aber vorstellen, wir seien am Bahnhof. Und los geht’s! Carola sitzt auf der Bank, also am Bahnsteig, und wartet auf einen Zug. Ich gehe auf sie zu. Ich humpele ein bisschen und schiebe die linke Hüfte ein Stückchen nach vorne. Alte Damen haben doch immer etwas an der Hüfte, denke ich. Und jetzt irgendetwas geistreiches sagen, Laura! Was machen alte Damen denn in so einer Situation? Ich beschließe Carola erst einmal ordentlich anzumeckern. Wegen der Tasche auf dem Sitz und der lauten Musik aus ihren (nicht vorhandenen) Kopfhörern. Carola scheint aber beschlossen zu haben, ein braves, gut erzogenes Mädchen zu sein. Sie nimmt sogleich die (nicht vorhandene) Tasche vom Sitz und mir damit den Wind aus den Segeln. Ich setze mich unter lautem Gestöhne und Gezeter neben sie. Das junge Mädchen guckt mich irritiert an und ich sage: “Hüftschaden!” und stütze mich auf meinen Stock.

Aussicht von der Bühne: Während der Proben sind die Zuschauerränge dunkel und verlassen.

Ich meckere noch ein bisschen über die “Jugend von heute”, darüber dass die Anzeigentafeln viel zu klein sind und einem heutzutage ja auch kein Bahnpersonal mehr Hilfe leistet. “Lauter!” tönt es aus dem Zuschauerraum, wo die Regisseurin sitzt. Ich lerne meine erste Lektion in Sachen Theaterspielen: Wenn du denkst, du sprichst schon ungewöhnlich laut, dann sprich noch zwei Mal lauter. Man müsse mich schließlich in der letzten der zwölf Reihen auch noch hören können. Von der Bühne aus ist die aber gar nicht mal weit weg. Und außerdem sind die Ränge menschenverlassen. Ich versuche mir vorzustellen, wie ich vor einem Publikum stehe, das tuschelt und hustet und mit den Stühlen knarzt. Also brülle ich die arme Carola an und komme mir ein bisschen albern vor.

Und jetzt auf vier Beinen

Schlimmer wird es bei unserem zweiten Treffen. Heute lautet die Aufgabe: Denkt euch ein passendes Tier zu eurer Rolle aus und bewegt euch dementsprechend auf der Bühne. Minutenlang überlege ich, welches Tier zu meiner Rolle passen könnte. Laut Rollenbeschreibung bin ich eigentlich “nett”, aber wie ich weiß, verberge ich auch das eine oder andere dunkle Geheimnis. Schließlich entscheide ich mich für eine dicke, weiße Katze und schon verwandelt sich die Bühne in einen Zoo. Acht Frauen, schleichen, kriechen oder hüpfen über die Bühne, wiehern, bellen oder gackern. “Und jetzt interagieren!”, lautet die Anweisung. Also jage ich das Hühnchen und ducke mich vor dem großen Pferd, das ja eigentlich einen Kopf kleiner ist als ich. Herrlich! Alleine käme ich mir wahrscheinlich furchtbar albern vor, aber in der Gruppe ist es richtig lustig, sich buchstäblich zum Affen zu machen.

Bei unserem dritten Treffen darf ich wieder eine Omi sein und ich habe meinen Krückstock wieder! Heute ist unsere erste, richtige Probe. Wir befinden uns im Bühnenbild von “Misery”, einem Thriller von Stephen King, der bald Premiere feiert. Der normale Theaterbetrieb ist natürlich wichtiger und es muss täglich geprobt werden. Auf der Bühne steht deshalb ein karger, kleiner Tisch und ein weißes Bett. Statt Wände, begrenzen Metallgitter das Bühnenzimmer. Das Bühnenbild passt irgendwie überhaupt nicht zu unserer Krimi-Komödie. So stehen wir also alle, mit unseren Textbüchern in der Hand, etwas hilflos auf der Bühne herum. Nur ich darf sitzen, ich bin schließlich alt. Daran könnte ich mich gewöhnen. Etwas holperig gehen wir unsere Sätze durch. Die Texte können wir noch nicht, also lesen wir ab. Indra Janorschke ruft immer mal wieder Lob und Kommentare herein, dirigiert uns herum und gibt Anweisungen. “Lasst euch mehr Zeit!”, ruft sie zum Beispiel, denn wir neigen dazu, unseren Text herunter zu rattern. “Ihr müsst die Sätze entwickeln.” Anfangs bin ich noch ein bisschen scheu, aber als ich mich schließlich traue, richtig in die Rolle hineinzuschlüpfen, macht es großen Spaß. Auch Indra ist zufrieden mit mir. Das mit der Omi hab ich also drauf, freue ich mich.

Meine Lerntechnik: Ich packe meinen Koffer…

Für ein paar Wochen Lauras treuer Begleiter, sogar im Bett: das Textbuch.

Nun geht es ans Textlernen. Ich sitze im Schneidersitz auf meinem Bett und blättere durch mein Textbuch. Ich bin ein bisschen erschrocken, als ich sehe, wie viele Sätze ich mir beim Durchlesen gelb markiert habe. Das soll ich alles lernen? Und wie soll ich mir das bloß merken? Zum Glück gibt es ja Probenpläne und ich muss nicht alles auf einmal lernen, nur bis Seite zwölf. Ich entscheide mich für die “Ich packe meinen Koffer…”-Taktik und wiederhole erst einen Satz, dann zwei, dann drei und nach einer halben Stunde kann ich meinen Text. Doch bei der nächsten Probe lerne ich meine zweite Lektion: Egal, wie gut du deinen Text kannst, wenn du das erste Mal Text und Spielen verbinden musst, ist er weg. Ich ärgere mich ein bisschen. Die Worte liegen mir auf der Zunge. Jetzt denken die anderen bestimmt, ich hätte nicht geübt. Doch Indra erklärt, das sei völlig normal: “Zuhause kann man den Text vorwärts und rückwärts aufsagen, doch steht man dann auf der Bühne, dann überlagert das Spielen erst einmal den Text. Später klappt’s dann.”

Doch so weit kommt es gar nicht erst. Unsere Laientruppe schrumpft und aus “Die acht Frauen” werden plötzlich fünf. Das Stück ist Geschichte und ein neues muss her: “Honigmond” etwa oder “Fünf im gleichen Kleid”. In beiden Stücken kommt leider keine Omi vor. Dabei hatte ich meinen Krückstock schon richtig liebgewonnen.

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Durch den Unfall vergisst Paige ihre Liebe zu Leo. Fotos: Sony Pictures Releasing GmbH

Die ganz große Liebe, ein schönes Schauspielerpaar und ein romantisches Drama - “Für immer Liebe” erfüllt alle Kriterien für einen klassischen Hollywood-Valentinstags-Streifen. Kitschig und vorhersehbar sind üblicherweise die ersten Assoziationen, aber dieses Mal bleibt dieses Klischee unerfüllt. Unaufdringlich und romantisch kommt dieser Film daher. Der Unfall lässt scheinbar nicht nur Erinnerungen sondern auch übermäßigen Kitsch verschwinden. Romantische Situationen gibt es natürlich - sie bleiben aber wohl dosiert und ohne den üblichen Hollywood-Zuckerguß. Vielmehr spielt die Entwicklung die Paige und Leo gleichermaßen durchmachen eine wichtige Rolle. Vielleicht liegt es daran, dass die Geschichte nicht aus der Feder eines Drehbuch-Autors stammt, sondern aus dem realen Leben: Der Film erzählt die Geschichte von dem US-amerikanischen Paar Kim und Krickitt Carpenter.

Paige versteht sich selbst nicht: Warum hat sie ihr Leben so verändert?

Zurück zu einer alten Persönlichkeit

Das Krankheitsbild der Amnesie wurde auch zuvor schon in Filmen genutzt: In “Die Bourne-Identität” ist Matt Damon auf der Suche nach seinem Leben und in “50 erste Dates” muss Adam Sandler Drew Barrymore jeden Tag aufs neue von seiner Liebe überzeugen. In “Für immer Liebe” kämpft Rachel McAdams als Paige nicht so sehr mit dem Vergessen - vielmehr wird ihr eine frühere Persönlichkeit zurückgegeben, die ihr Ehemann Leo gar nicht kennengelernt hat. Die “neue alte Paige” wohnt noch bei ihren Eltern, studiert Jura, trägt schicke Klamotten. Dazu kommt, dass sie mit dem Geschäftsmann Jeremy verlobt ist. Die “Paige” von der Leo ihr erzählt, hat nichts damit zu tun: Sie studiert Kunst, ist Vegetarierin und hat jeden Kontakt zu ihrem wohlhabenden Elternhaus abgebrochen. Paige kann nicht verstehen, wie sich ihr Leben so entwickeln konnte. Bald gibt sie die Suche nach den Erinnerungen auf und bringt damit auch den unermüdlichen Leo zum Kapitulieren.

Leo versucht Paige für sich zu gewinnen und erzählt von ihrem Zusammenleben.

Anders als in der Romanze “Wie ein einziger Tag” (2004) ist Rachel McAdams nicht zwischen der Liebe zu zwei Männern hin und hergerissen. Vielmehr wurde ihr Leben durch den Unfall durcheinander gewirbelt, nun muss sie entscheiden wer sie sein will. Der ursprüngliche Verlobte Jeremy bringt zwar Probleme für Leo, der Konkurrenzkampf steht aber nicht im Fokus des Films.

Channing Tatum als Romantiker

Einer verleiht dem Ganzen doch noch den klaren Liebesfilm-Charakter: Channing Tatum verkörpert Romantik pur. Tatums erster großer Liebesstreifen kann sich sehen lassen. Als Leo erntet er nur Distanz und misstrauische Blicke - nachdem er wochenlang am Krankenbett seiner Frau gewacht hat. Er darf sie nicht berühren, sie schämt sich vor ihm. Die Wohnung gefällt ihr nicht, ihren Lebensstil findet sie befremdlich. Unabsichtlich feuert Paige eine Spitze nach der anderen auf ihn ab. Tatums Charakter ist hin und hergerissen zwischen Verständnis und Geduld auf der einen und dem Bedürfnis diese fremde Frau zu schütteln auf der anderen Seite. Der Spagat gelingt dem Schauspieler: Der Schmerz und die Hilflosigkeit stehen ihm ins Gesicht geschrieben, der Zuschauer fühlt mit.

Leo weiß nicht, wie er mit Paige umgehen soll.

Tatum stellt in diesem Film einen attraktiven und charmanten Musiker dar, einen Romantiker, der seiner Frau die Welt zu Füßen legt. Kurz gesagt: Er spielt den perfekten Mann. Was zu gucken gibt es auch: Nackt schlafen und oben ohne den Müll rausbringen - Szenen, die für ein Raunen in den weiblich besetzten Kinosesseln sorgen. Klischee? Eindeutig. Aber so ein bisschen Kitsch gehört dann wohl doch zu jedem Liebesstreifen. Und auch wenn unklar ist, ob Paige Leo erneut ihr Herz schenken kann - die Herzen der Zuschauerinnen gewinnt er sicherlich.

Fazit: “Für immer Liebe” erfrischt durch mehr Unvorhersehbarkeit bezüglich der Handlung, ohne aber die klassischen Merkmale einer Hollywood-Romanze hinter sich zu lassen. Für Romantiker ist der Film sowieso ein Muss, aber auch wer skeptisch bleibt, kann einen Versuch wagen: Wenn die kitschige Vorgeschichte von Leo und Paige überstanden ist, wird die Liebesgeschichte auf angenehme Art subtil und unaufdringlich.

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Die gute Nachricht: Man braucht kein eingefleischter Basbeball-Fan zu sein, um den neuen Film von Regisseur Bennett Miller („Capote”) zu verstehen. Die vermeintlich schlechte Nachricht: Wer bei “Moneyball” einen typischen actionreichen Sportfilm erwartet, wird enttäuscht.

Am Spielfeldrand herrscht keine gute Stimmung beim Trainer und den Spielern der Oakland A's. Fotos: Sony Pictures Releasing GmbH

Die Lage des Baseballteams der Oakland Athletics ist zu Beginn der Saison 2002 alles andere als gut: Das Budget ist knapp und die besten Spieler wurden von der Konkurrenz gekauft. Die Mannschaft ist “der letzte Hund am Fressnapf”, wie Manager Billy Beane (Brad Pitt) die Situation treffend formuliert. Und genau er, der gescheiterte Baseballspieler, muss jetzt das Team neu aufbauen. Mit einem glücklichen Händchen gelingt es ihm Peter (Jonah Hill) zu rekrutieren: ein schüchterner Absolvent der Yale-Universität und vollkommener Neuling im Baseball-Geschäft. Peter hat ein Händchen für Statistiken und wird schnell zu Beanes Assistenten. Mithilfe von Formeln und Gleichungen wollen sie den Erfolg herbei berechnen. So entdecken sie 25 Spieler, die von der Konkurrenz bisher aussortiert oder ignoriert wurden. Die Gründe: zu viele Verletzungen, zu hohes Alter oder kein passendes Aussehen. In Peters Worten: “Ein Teich voller hässlicher Entlein”.

Leeres Stadion, leere Kassen, frustrierter Brad Pitt.

Geht die neue Strategie auf?

Ein Team mit Computer-Statistiken zusammenstellen? Damit betreten Billy Beane und sein Gehilfe völliges Baseball-Neuland. Da verwundert es nicht, dass die Ideen bei den alten, grauen Beratern der Mannschaft auf Widerstand treffen. Und vor allem Trainer Art Howe (Philip Seymor Hoffman) will sich nicht auf Umstrukturierungen einlassen. Als die Oakland A’s trotz der neuen Strategie ein Spiel nach dem anderen verlieren, sieht sich der Coach bestätigt.

Man erwartet trotzdem, dass die Mannschaft am Ende die Meisterschaft gewinnen wird. Weil Sportdramen so funktionieren. Und tatsächlich rappeln sich alle auf, der Einzelkämpfer Billy Beane beginnt endlich mit den Spielern zu sprechen und die Oakland A’s haben eine unvergleichliche Siegesserie. Die Strategie geht auf - jedoch nicht komplett.

Am Ende findet man keine Spieler, die zu Helden werden, sowieso findet die Handlung größtenteils gar nicht auf dem Spielfeld statt. Das ist der eine Grund, warum “Moneyball” kein typischer Sportfilm ist. Man hat das Gefühl, die Spiele werden nicht auf dem Platz, sondern am Telefon im Hinterzimmer entschieden. Beim Pokern um Spieler. Dabei fallen in schnellen Dialogen Begriffe wie “Walks” und “Fast Ball”, die teilweise verwirren. Ansonsten kann aber auch ein Baseball-Laie der Handlung problemlos folgen. Doch noch viel überraschender ist, dass “Moneyball” ein äußerst ruhiger und unaufgeregter Film ist, ganz anders als der Trailer vermuten lässt. Wenn sich Billy Beane freut, dann im Stillen. Diese Langsamkeit erzeugt Spannung, dazu braucht es keine schwitzenden Sportler oder extreme Zeitlupen. In den entscheidenden Szenen laufen die Spieler ohne Ton durch das Bild und das einzige - und wichtigste - Geräusch erzeugt der Baseball, wenn er auf den Schläger trifft.

Nach ein wahren Begebenheit

Manager und Assistent stellen das Team unter regen Diskussionen neu auf.

Vorlage für den Film sind die tatsächlichen Ereignisse um Manager Billy Beane und die Oakland A’s, die der amerikanische Journalist Michael Lewis in seinem Sachbuch “Moneyball - The Art of Winning an Unfair Game” festgehalten hat. Das Wissen, dass Beane tatsächlich Amerikas Lieblingssport revolutioniert hat, trägt zusätzlich zum Gelingen des Films bei.

Brad Pitt spielt eben diesen Manager brillant, ohne dabei zu aufdringlich zu werden oder einen” Star-Trainer” spielen zu wollen. Zu Recht ist er mit dieser Leistung als “bester Hauptdarsteller” für die Oscars nominiert. Zwar ist “Moneyball” mit nur sechs Nominierungen kein Top-Favorit, dennoch würde man vor allem Jonah Hill den Preis als “bester Nebendarsteller” gönnen. Als Peter verkörpert er glaubhaft den Neuling im Baseball-Geschäft, der - genauso wie der Zuschauer - das ein oder andere Mal verblüfft ist, über das, was abseits des Baseballfelds passiert.

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Bald wird diese Chronik Pflicht - die neue Facebook-Timeline kommt für alle Nutzer. Ob sie wollen oder nicht. Facebook frohlockt, das gesamte Leben soll nun auch online zu finden sein: Geburt, Hochzeit, Uni-Abschluss - wenn es nach Facebook geht, findet das alles bald auch im sozialen Netzwerk statt. Mit weitreichenden Konsequenzen: Knapp 800 Millionen Mitglieder zählt das Netzwerk schon. Doch das neue Outfit entzweit die Facebook-Gemeinde. Auch unsere beiden pflichtlektüre-Redakteure Jan-Ole Niermann und Maren Bednarczyk sind geteilter Meinung:

Foto: stockxchng/bizior, Montage: Steinborn/Hückelheim/Brüning, Teaserfoto: pixelio.de/tokamuwi

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Wir kennen die Bilder von der Katastrophe in Tschernobyl aus Fernsehen, Zeitung und Internet: Das zerstörte Kernkraftwerk, der Sarkophag und die verlassene Stadt Pripyat mit menschenleeren Straßen und volleingerichtete Wohnungen. An genau diesen einsamen Ort reist die junge Strahlenökologin Natalia in Catherine Czerkawskas Stück „Wormwood”. Die ukrainische Stadt ist ihre Heimat, als im April 1986 die unvorstellbare nukleare Katastrophe über die Bewohner hereinbricht. In dem Stück “Wormwood” des Internationalen Englischen Studententheaters (Duisburg University English Theatre = DUET) stehen genau diese Menschen mit ihren Wahrnehmungen und Gefühlen im Vordergrund.

Vor der Katastrophe ist die Welt noch in Ordnung. Fotos: DUET

Natalia (gespielt von Melika Saric) beginnt sich an ihr glückliches Leben vor der Katastrophe zu erinnern. In Rückblenden wird deutlich, dass ihr Verlobter Victor (Shaheryar Shah) als Ingenieur im Kraftwerk Tschernobyl angestellt wird. Das junge Paar schmiedet eifrig Zukunftspläne für das gemeinsame Leben im aufblühenden Pripyat. Victor ist davon überzeugt, dass Tschernobyl sicher ist, ansonsten würde er direkt kündigen. Natalias Schwester Tanya (Nadine Kreischer) ist anderer Meinung, sie hat Albträume und fühlt sich in Pripyat unwohl. Gerade als sie und ihr Mann, der Feuerwehrmann Stefan (Daniel Hees), entschieden haben nach Kiew umzuziehen, geschieht das als vollkommen unwahrscheinlich Eingestufte: Ein Unfall im Kernkraftwerk. Natalia und Tanya fliehen mit Tanyas Sohn Anton (Orun De) nach Kiew, ohne ihre Männer, die im Kraftwerk versuchen die unüberschaubare Lage in den Griff zu bekommen.

Wie sicher ist „sicher”?

Die komplexen Ereignisse, die sich nach dem fehlgeschlagenen Sicherheitstest in der Reaktoranlage abspielen, werden in Rückblicken aufgearbeitet. Artemis, eine nicht weiter erklärte Präsenz (verkörpert durch Maame Henewaa Boateng, Maria Krysen und Anita Weidental), fragt den naiv an die Sicherheit des Kraftwerks glaubenden Victor über den Ablauf aus und es werden erschreckend aktuelle Fragen aufgeworfen: Wie sicher ist „sicher genug”? Ist Sicherheit nicht nur einer von vielen Faktoren in einem Kraftwerk? Was passiert, wenn ökonomische und politische Interessen Vorrang haben? Und was passiert, wenn ein Ereignis für so unwahrscheinlich gehalten wird, dass es einfach ignoriert wird?

Ist die Katastrophe ein Naturschauspiel? Die Bewohner der Stadt rätseln.

Dass das Thema des Stücks durch die Autorin Catherine Czerkawska äußert sorgfältig recherchiert wurde, fällt spätestens in den Szenen auf, in denen die Ereignisse im Reaktor detailliert rekapituliert werden. Die genauen Beschreibungen wirken teilweise überfordernd - sind sie auch noch mit Fachbegriffen untersetzt. Der Effekt: Man beginnt sich zu fragen, wie überfordert wohl die direkt betroffenen Menschen mit der nicht für möglich gehaltenen Katastrophe gewesen sein müssen.

Gute schauspielerische Leistungen

Unglaube, Angst, Verlust, Trauma: das Stück thematisiert die menschliche Dimension der Tschernobyl-Katastrophe und den jungen Schauspielern gelingt es teils unaussprechliche Gefühle ohne Übertreibung auszudrücken. Bemerkenswert ist dabei auch das durchweg klar verständliche Englisch der Darsteller. Untermalt werden die bemerkenswerten schauspielerischen Leistungen durch Klavierspiel von Brikenda Ahmetaj und durch Bild- und Videoprojektionen an den richtigen Stellen. Es ist zu spüren, wie viel Energie und Engagement die internationalen Mitglieder von DUET seit Probenbeginn im Oktober in das Projekt „Wormwood” gesteckt haben - sowohl auf als auch hinter der Bühne.

„Wormwood” ist sicherlich kein Theaterstück für einen entspannten Abend, sondern regt auf unaufdringliche Weise zum Nachdenken an. Durch die Ereignisse in Fukushima hat das Stück, das 1997 in Edinburgh uraufgeführt wurde, erschreckend an Aktualität gewonnen. Am Ende richtet sich Natalias Blick auf die Zukunft und auch der Zuschauer geht mit dem beklemmenden Gedanken „Was wäre wenn…?” nach Hause.

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Intruders ist ein Horrorfilm. Es geht um die Geschichte zweier Kinder, Juan und Mia, die getrennt von Raum und Zeit leben. Sie haben jedoch eine gemeinsame Furcht, die Furcht vor dem Einschlafen. Sie leiden unter mysteriösen Albträumen in der Nacht. Diese Albträume sind die Basis von “Intruders”, dem dritten Film des spanischen Regisseurs Juan Carlos Fresnadillo.

Mia hat jede Nacht Albträume. Ihre Mutter versucht ihre Tochter zu verstehen. Quelle: Universal Pictures

Der Junge Juan ist eigentlich ein lebendiges Kind. Er wächst im grauen Spanien, in der Zeit der spanischen Diktatur von Francisco Franco auf. Er lebt gemeinsam mit seiner Mutter, einer alleinerziehende Frau, in Spanien. Das kleine Mädchen Mia ist aus England und lebt mit ihren Eltern in London. Die Eltern der beiden Kinder sind in großer Sorge. Sie versuchen das Geheimnis der Albträume ihrer Kinder zu entwirren und entdecken letztendlich, warum ihre Kinder diese Ängste aufweisen. Während Mias Großmutter, Luisa (gespielt von Pilar Lopez de Ayala) bei einem jungen katholischen Priester (gespielt von Daniel Brühl) Hilfe sucht, versuchen Mias Eltern eine Lösung bei einem renomierten Psychologen aus London zu finden.

Laut dem Regisseur, der ursprünglich von den Kanarischen Inseln stammt, löst der Film kein Entsetzen aus. Es ist ein Krimi, mit viel Fantasie. Ein Film, der die Ängste von Kindern beschreibt, die wir alle bereits wahrscheinlich während unserer Kindheit erlebt haben. Die Angst vor dem “Closet Monster”, also dem Monster im Kleiderschrank. Der Film zeigt sehr anspruchsvolle Spezialeffekte, die die Angst bei dem Zuschauer verstärken sollen.

Das offizielle Intruders Filmplakat. Quelle: Universal Pictures

Wer ist Juan Carlos Fresnadillo?

Juan Carlos Fresnadillo ist ein Regisseur aus Spanien. Er begann seine Karriere in Hollywood, mit der Regie des Films “28 Tage später”, dann mit der Forsetzung “28 Wochen später”. Ein weiterer Film, dass die dunkle Seite des Menschen erforscht, um zu zeigen, was auf der Erde nach einer Zombie-Invasion passieren würde. Diese Filme führten ihn direkt in die Hollywood-Studios, wo er nun vollkommen angekommen ist. Er arbeitet derzeit engagiert für Projekte mit Steven Spielberg. Fresnadillos nächstes Projekt ist die Verfilmung von “Die Krähe”.

Sein neuester Film “Intruders” ist nicht nur eine internationale Produktion, weil der Schauspieler Clive Owen in diesem Film mitspielt. Auch der deutsch-spanische Schauspieler Daniel Brühl spielt in diesem Film mit. Als Sohn einer Spanierin, spricht er sehr gut Spanisch. Er hat bereits in vielen anderen spanischen Produktionen mitgespielt, wie zum Beispiel in dem Film “Salvador”, der 2006 in die Kinos kam. Es gibt viele weitere erfolgreiche Filmkooperationen zwischen Deutschland und Spanien.

Weitere Beispiele

FIlmproduktionen, wie zum Beispiel “Transsiberian”. In diesem Film haben der spanische Schauspieler Eduardo Noriega und der deutsche Schauspieler Thomas Kretschmann mitgespielt. Auch im Jahre 2011, konnte man in den Kinos eine Produktion zwischen Frankreich, Polen, Deutschland und Spanien sehen, der Film: “Der Gott des Gemetzels”, von dem erfolgreichen Direktor Roman Polanski. Der Film war eine Anlehnung an das Theaterstück von Yasmin Reza “Le dieu de Carnage”.

Der Film Dr. Alemán kam 2008 in die Kinos. Quelle: Paramount Pictures

Man merkt, dass es in den letzten Jahren eine Tendenz zu mehr internationalen Produktionen gegeben hat. Ein weiteres Beispiel für eine gute internationale Produktion ist “Dr. Alemán” (2008), von dem deutschen Regisseur Tom Schreiber. Der Film handelt von einem deutschen Medizinstudenten, der sein praktisches Jahr in Südamerika absolvieren möchte. Gespielt wird dieser von dem deutschen Schauspieler August Diehl, der auch zusammen mit Daniel Brühl in “Inglorious Basterds” (2009) gespielt hat.

Ein guter Weg

Man kann sagen, dass internationale Produktionen, die heutige Filmindustrie bereichern und verbessern. Die Inhalte der Filme weisen verschiedene kulturelle Hintergründe auf, wie zum Beipsiel auch “Intruders”.

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Kompakt: Seit wann? Wo? Wie viele?

Seit den 80er Jahren gibt es in Dortmund eine gut organisierte rechte Szene. Zunächst gründete sich die “Borussenfront”, ein Zusammenschluss aus BVB-Fans unter der Leitung von Siegfried Borchert, dem früheren Landesvorsitzenden der “Freiheitlichen Deutschen Arbeiterpartei”. Sie wurde 1995 verboten. Danach gab es viele lockere Zusammenschlüsse, sogenannte “Freie Kameradschaften”. Heute wird die Szene vor allem von zwei Gruppierungen dominiert: Der “Skinhead Front Dortmund-Dorstfeld” und den “Autonomen Nationalisten”. Ihre Mitglieder und Sympathisanten bewegen sich vor allem im Westen Dortmunds im Stadtteil Dorstfeld, aber auch um Eving oder Lütgendortmund. Der harte Kern der Neonazis besteht aus ca. 30 Personen. Die Polizei geht von insgesamt 80 aus, Sympathisanten mit eingerechnet.

Welche rechten Gruppierungen gibt es zurzeit in Dortmund?

Heute sind Neonazis nicht mehr so einfach am Aussehen zu erkennen. Foto: Bob Jagendorf / www.flickr.com Teaser: Wrote / www.flickr.com

“Autonome Nationalisten”: Die “Autonomen Nationalisten” gibt es seit 2004. Diese “Kameradschaft” ist gut organisiert, ihre Anhänger sind sehr jung, zwischen 18 und 27 Jahren. “Sie verstehen sich im Selbstverständnis als eine revolutionäre Bewegung, eine, die auch auf der symbolischen Ebene auf Äußerlichkeiten bezogen vieles von Linksautonomen übernimmt”, sagt Thomas Pfeiffer, Referent beim Verfassungsschutz NRW. Das heißt konkret: Sie tragen zum Beispiel auch schwarze Kapuze und Sonnenbrille. Außerdem suchen sie häufig die Konfrontation mit der Polizei oder Antifaschisten.

“Skinhead Front Dortmund-Dorstfeld”: Die “Skinhead Front Dortmund-Dorstfeld” wurde ebenfalls 2004 gegründet. Sie sieht sich selbst als “feste Kameradschaft”. Ihre Mitglieder fallen vor allem durch ihr Aussehen auf: Glatze, Springerstiefel und Bomberjacke. Der harte Kern dieser Gruppierung besteht aus rund 15 Personen. “Die Skinheadszene versteht sich selbst als Arbeiterjugend”, sagt Thomas Pfeiffer. Deswegen gebe es in diesen Gruppierungen auch kaum Gymnasiasten und Studierende. Laut Polizei-Pressesprecher Wolfgang Wieland ist die “Skinhead Front” nicht so organisiert, wie es bei den “Autonomen Nationalisten” der Fall ist.

Warum ist Dortmund so attraktiv für Neonazis?

Laut Antifa war Dortmund neben Berlin eine der ersten Städte, in denen der Stil der “Autonomen Nationalisten” schnell bekannt und übernommen wurde. Inzwischen hat sich Dortmund zu einem Zentrum der “Autonomen Nationalisten” entwickelt. „Zum anderen war es auch das jahrelange Wegsehen der Dortmunder Zivilgesellschaft, der Stadt und der Polizei”, sagt   Niklas (Name geändert) von der Antifa. Es gebe Interviews mit Aussteigern, die sich gewundert hätten, dass sie in Dortmund tun und lassen könnten, was sie wollten, ohne dafür belangt zu werden. Inzwischen hat Dortmund aus der Sicht von Neonazis einen so guten Ruf, dass es immer mehr von ihnen nach Dortmund zieht. Dortmund wird mittlerweile Symbolcharakter zugeschrieben. Von Dortmund aus soll, so die Idee, das ganze Ruhrgebiet eingenommen werden.

Warum lassen sich viele junge Leute auf die rechte Szene ein?

In Dortmund finden regelmäßig Nazi-Aufmärsche und Gegen-Demos statt. Foto: DortmundQuer / www.flickr.com

Viele Jugendliche sind schon mit 15 Jahren in der rechten Szene aktiv. Viele von ihnen suchen dort nach Halt und Orientierung. Einschneidende Erlebnisse wie ein Wohnortswechsel oder der Tod eines Elternteils können der Auslöser dafür sein. Oft bemerken die Jugendlichen gar nicht, welche politischen Botschaften zum Beispiel hinter Rechts-Konzerten stecken. “Rechtsextremisten bemühen sich, ihr Weltbild, ihre politische Propaganda in Formen zu kleiden, die Jugendlichen auf den ersten Blick Spaß machen, die Jugendliche ansprechen, um auf diese Weise den politischen Inhalt eher peu à peu einfließen zu lassen”, sagt Thomas Pfeiffer.

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Dicht stand der Rauch im dunklen Keller der Dortmunder Bar Sissikingkong. Einzig die Wände waren hell erleuchtet - denn dorthin projizierten die Bochumer Künstler Alexander Schwegl und Florian Biedermann einige der Dias, die sie seit 14 Jahren kaufen und sammeln.

Neben dem Eingang lachten auf der Projektions-Wand drei ältere Frauen dem Zuschauer entgegen. Während man anfing sich zu fragen, was diese Frauen so zum Lachen gebracht haben mag, war sie da: Die Wohnzimmer-Atmosphäre. Alles erinnerte an einen gemütlichen Foto-Abend mit der Familie.

Musik während der Dia-Show sollte die Bilder in ihrer Wirkung unterstützen. Fotos: Ellen Brinkmann

Seit etwa 14 Jahren sammeln Alexander Schwegl und Florian Biedermann alias “Dunix-Lichtbilder“ bereits Dias. Ihre Quellen sind Flohmärkte und Haushaltsauflösungen. “Was manche Menschen für Bilder von sich verkaufen ist unfassbar“, findet Alexander Schwegl. Insgesamt besitzen sie bereits 20.000 Dias, sortiert nach vordergründigem Motiv. Die doppelte Menge an teilweise ungesichtetem Material liegt noch in Florian´s Keller. “Manchmal sind auch richtige Quatsch-Aufnahmen dabei. In unserer neuen Show haben wir ein Stück, in dem wir nur Dias von Pflanzen in Wohnungen zeigen“, sagt Alexander Schwegl. Aus den Dias produzieren die beiden zusammen Shows, in denen die Bilder mit Musik hinterlegt werden, die ihre Wirkung unterstützen soll. “Dia-Recycling“ nennt Florian Biedermann das.

Aufhören kommt nicht infrage

Angefangen hat alles, als die beiden auf einem Trödelmarkt eine Kiste mit alten Dias entdeckt haben. “Die Faszination ist, dass wir nie wissen, was wir bekommen“, sagt Florian Biedermann. So finde man auch die absurdesten Bilder. “Gerade wenn wir denken, wir hätten alles gesehen, dann kommt der nächste Brüller. Wir rufen uns dann immer an und sagen: ´Jetzt können wir aufhören, jetzt haben wir alles gesehen´“. Doch aufhören komme nicht infrage.

Alexander Schwegl (l.) und Florian Biedermann (r.) dokumentieren seit 14 Jahren den Alltag.

Die neue Show des Duos, die am Dienstag (24.1.) im Sissikingkong gezeigt wurde, trägt den Titel “Damals war auch schon Krise“. Von Blumen in Wohnungen, schiefen Grimassen und wilden Festen ist alles an Motiven vertreten. Dabei geht es den Künstlern offensichtlich nicht darum, außergewöhnliche Motive, sondern das Außergewöhnliche im Alltäglichen zu zeigen. So bekommt man an auch dem Abend eine Chronik des alltäglichen Lebens, angefangen in den 60er Jahren.

Das Gefühl von Voyeurismus bleibt

Spätestens bei dem Teil der Show, in dem die Künstler pornographische Dias zeigten, wurde vielen die Intimität der Bilder bewusst: Das vorherige Lachen über schiefe Grimassen und verdorrte Zimmerpflanzen war nun verstummt. Da beschlich einen schnell das Gefühl von Voyeurismus. Nach 14 Jahren ist dieses Gefühl auch bei den beiden Künstlern nicht komplett verschwunden. „Wir entdecken komplette Familiengeschichten und sehen Kinder zu Erwachsenen werden auf den Bildern. Da fühlt man sich schon komisch“, sagt Alexander Schwegl. „Hinter diesen Bildern stecken ganze Schicksale“, ergänzt Florian Biedermann. Oft frage man sich, was mit den Menschen auf den Bildern geschehen ist.

Die Atmosphäre während der Show erinnert an Foto-Abende im eigenen Wohnzimmer.

Das zur Schau stellen von fremden Menschen wird spätestens seit dem Boom der Reality-Shows im Fernsehen stark diskutiert. Auch die Show im Sissikingkong zeigte das Intimste aus dem Leben von fremden Menschen. Bei den meisten Bildern hatte man jedoch das Gefühl, dass die Abgelichteten sich heute vielleicht lachend neben einen setzen würden, um diesen Moment mit dem Publikum zusammen noch einmal zu durchleben.

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Die Hauptdarsteller Jean Dujardin und Bérénice Bejo zeigen auch in einigen Tanzszenen ihr Können. Fotos: Delphi Filmverleih

Schon zu Beginn des Films ist vieles anders als gewöhnlich: Die Logos der Studios sind schwarz-weiß und an den Rändern sind schwarze Balken zu sehen, da der Film im 4:3-Format gedreht wurde. In der ersten Einstellung kommt kein Ton aus dem zu einem Schrei geöffneten Mund Valentins. Stattdessen erwarten den  Zuschauer Texteinblendungen wie “Rede!” und eine mal traurige, mal beschwingte Orchester-Musik.

Der Film überzeugt auch mit großem visuellen Einfallsreichtum.

Das Werk eines eingespielten Teams

Regisseur Michel Hazanavicius machte sich durch die Agentenparodien “OSS 117 - Der Spion, der sich liebte” und “OSS 117 - Er selbst ist sich genug” einen Namen in seiner Heimat Frankreich. Im ersten Film spielte Hazanavicius derzeitige Lebensgefährtin Bérénice Bejo die weibliche Hauptrolle, die männliche übernahm in beiden Filmen Jean Dujardin. Dieser nahm nach anfänglichem Zögern auch in “The Artist” die Hauptrolle an - und fand mehr und mehr Gefallen daran. Um sich ganz in ihr vertiefen zu können, lebte Dujardin während der Dreharbeiten in einem Haus aus den 30er-Jahren in den Hollywood Hills.

An seinem Spiel gibt es wahrlich nichts auszusetzen, im Gegenteil. Bei ihm und der Hauptdarstellerin Bérénice Bejo lässt sich jede Gefühlsregung an der Mimik ablesen. In solchen Momenten kann man George Valentins Ablehnung des Tonfilms verstehen. Wer braucht ausschweifende Dialoge, wenn ein Blick oder eine Geste ausreicht? Dass auch Umgebungsgeräusche fehlen, fällt erst wirklich bei eine Albtraumszene Valentins auf, in der er (und der Zuschauer) plötzlich Geräusche hören kann, seine eigene Stimme bleibt jedoch weiter stumm. Diese Szene verdeutlicht, dass diejenigen, die bei Stummfilmen an Charlie Chaplin denken, enttäuscht sein werden: Slapstick ist in “The Artist” nicht zu finden. Zwar bietet der Film durch seinen Einfallsreichtum einige Lacher, allerdings ist er weder Komödie noch die Romanze, als die er manchmal beworben wird. Vielmehr erzählt er gleichzeitig die Geschichte eines fallenden Stars und einer aufstrebenden jungen Schauspielerin.

Der heimliche Star des Films ist der Jack Russell Terrier Uggie, der in Cannes mit dem "Palm Dog Award" für die beste Hunde-Performance ausgezeichnet wurde.

10 Oscar-Nominierungen

Für ihren Mut und die großartig inszenierte Hommage an die Anfänge der großen Hollywood-Filme wurde “The Artist” bislang mit Preisen überschüttet. Er gewann bereits drei Golden Globes für Bester Film (Komödie oder Musical), Bester Hauptdarsteller (Komödie oder Musical) und Beste Filmmusik. Dazu ist er zehn Mal für die kommenden Oscar-Verleihungen nominiert. Darunter auch in den wichtigen Kategorien Bester Hauptdarsteller, Beste Nebendarstellerin, Bester Film und Beste Regie. Ein Oscar für den Franzosen Jean Dujardin wäre äußerst bemerkenswert: Erst einmal ging der Oscar als Bester Hauptdarsteller an einen nicht-englischsprachigen Schauspieler; 1999 gewann Roberto Benigni mit “Das Leben ist schön”.

Dieser Film ist nicht nur für Nostalgiker und Cineasten sehenswert, sondern für jeden, der einmal etwas Neues - das eigentlich alt ist - erleben möchte. Die Leichtigkeit, mit der diese Art Kino heute noch funktioniert und bezaubert, erstaunt. Schon durch seine ganz besondere Machart zieht er den Zuschauer in den Bann. Dialoge werden nicht benötigt, es reichen allein Einfallsreichtum, hervorragende Schauspieler und eine gute Geschichte, um kurzweilig zu unterhalten. Wie man sich diesen Film ansehen sollte, beantwortet George Valentin mit seinen zwei einzigen gesprochenen Wörtern: “Mit Vergnügen”.

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Die Mausefalle hat eine gewisse Struktur, die allen anderen Werken von Agatha Christie sehr ähnelt. Die Handlung folgt keinem klassischen Muster. Die Geschichte beginnt zunächst mit acht Personen, die in der Pension “Monkswell Manor” gefangen sind. Der Grund dafür ist ein Schneesturm. In der Zwischenzeit hat sich ein grausames Verbrechen in London ereignet: Es gilt nun zu klären, wer der Mörder ist.

Die Handlung

Das Ehepaar Ralston hat die alte Pension “Monkswell Manor” geerbt und will die Eröffnung feiern. Während den Vorbereitungen für die Feier erfährt das Paar aus dem Radio von einem Mord in London. Das frisch vermählte Paar Ralston erwartet seine ersten fünf Gäste, von denen einer allerdings unerwartet erscheint. Das Wetter verschlechtert sich zunehmend, und die Pension ist von der Außenwelt abgeschottet. Plötzlich steht Sergeant Trotter vor der Tür. Der Polizist informiert die Eingeschlossenen über den Mord einer Frau in London. Er erzählt ihnen, dass der flüchtige Mörder die Adresse der Pension in seinem Notizbuch notiert hatte. Sergeant Trotter vermutet deshalb, dass sich der Mörder in der Pension aufhält. Er verfolgt einen Plan, um herauszufinden, wer der Mörder ist und wer sein nächstes Opfer sein könnte.

Das Stück schafft ein Netz von Geheimnissen und Spannung zwischen den Charakteren. Jeder der Eingeschlossenen wird des Mordes verdächtigt. Das Stück bleibt vom Anfang bis zum Ende spannend. Für den Zuschauer kommt das Ende völlig überraschend.

Insgesamt ist die Umsetzung des Stücks sehr lustig gelungen. Die Leistung der Schauspieler ist sehr profesionell, und die Zuschauer vergessen leicht, dass die Theatergruppe des AStA eigentlich eine Amateurtheatergruppe ist.

Reaktionen der Zuschauer auf das Theaterstück “Die Mausefalle”

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