Das Buchcover. Foto: C. Bertelsmann

Geboren und aufgewachsen in Berlin, lebt Melda ihren Alltag in einer türkischen Familie. Dabei gerät sie immer wieder in Konflikte: Wegen ihres Kleidungsstils, ihrer Lebensweise und vor allem aufgrund ihrer eigenen Vorstellungen, die sie unbeirrt verfolgt und durchsetzt.

Melda hat ihren eigenen Kopf und will sich nicht für eine der beiden Kulturen entscheiden. Sie will ihren eigenen Weg gehen und der hat nun einmal etwas von beiden Seiten. Sie ist geprägt durch ihren türkischen Hintergrund, dadurch, dass sie in einer türkischen Familie aufgewachsen ist und durch die vielen Treffen mit der großen türkischen Sippe, die in Berlin zu ihrem Leben gehört.

Genauso intensiv spürt Melda aber auch eine Verbindung zu Deutschland: Hier spielt sich ihr schulisches Leben ab, hier hat sie Freunde und Bekannte – Umstände, die sie tief mit diesem Land verbinden.

Ob sie sich vorstellen kann, später einmal in der Türkei zu leben? Das ist nur eine von vielen Fragen, die sie sich in ihrem Buch stellt und dem Leser ganz persönlich beantwortet: Sie kann sich ein Leben in der Türkei nicht wirklich vorstellen. Immer wenn sie da ist, fühlt sie sich wie im Urlaub, auch wenn sie die Sprache fließend spricht und dort viele Verwandte hat.

Entscheidungen treffen und vertreten

Schon früh sah sich Melda mit Grundsatzfragen konfrontiert, die sich Menschen ohne Migrationshintergrund niemals stellen brauchen: In welchem Land bin ich zuhause? Welcher Nation gehöre ich an? Welche Lebensweise passt besser zu mir?

Melda musste – wie alle anderen Jugendlichen in ihrer Situation – auf eine ganze Reihe von Fragen Antworten finden. Sie musste darüber nachdenken, wie sie zu bestimmten Fragen steht, musste beispielsweise entscheiden, ob sie jahrelang in die Moschee-Schule gehen will oder nicht und ihren Entschluss dann nach Außen hin vertreten.

Ihr Buch zeigt nicht nur, wie angefüllt ihr jugendliches Leben von solchen Denkprozessen und Entscheidungen ist und was für schwerwiegende innere Konflikte dadurch bei der jungen Autorin entstehen.

Die Autorin Melda Abkas. Foto: Isabelle Graeff

Das Buch vermittelt auch sehr eindringlich, dass diese Entscheidungen und eigenen Positionierungen immer nur die erste Ebene sind, auf die meistens noch eine zweite folgt: Das Verteidigen der Entscheidung – entweder gegenüber ihrer Familie, also der türkischen Sichtweise, oder gegenüber Deutschen, die Manches einfach anders sehen.

Dabei beschäftigt sich Melda mit der Kopftuchfrage, ob sie Miniröcken tragen und fünf Mal am Tag beten soll, abends nach acht Uhr noch weggehen kann, Jungs treffen oder gar küssen und Alkohol trinken will. Typische Themen, bei denen sie, wie andere Jugendliche mit türkischem Hintergrund in Deutschland, im Spannungsfeld zwischen zwei Kulturen lebt.

Ein vielschichtiges Buch

Melda Abkaş gelingt es auf beeindruckende Art und Weise, dem Leser diese Konfliktbereiche nahezubringen, indem sie ihn an ihrem Leben teilhaben lässt.

Sehr ausführlich beschreibt sie alltägliche Begebenheiten, erzählt von Diskussionen mit ihren strengen Eltern und schildert die besondere Stimmung bei riesigen türkischen Familientreffen.

Daneben beleuchtet sie aber auch die „deutsche Seite“: wie sie mit ihren Freunden umgeht, was sie in und neben der Schule macht und welche teils verletzenden, diskriminierenden Erlebnisse sie mit Deutschen schon hatte.

Neben ihren subjektiven Empfindungen und Sichtweisen liefert Melda dem Leser aber auch immer wieder sachliche Erklärungen zu türkischen Sitten und Denkweisen. So gelingt ihr eine abwechslungsreiche Balance zwischen der wertenden und der erklärenden Erzählebene.

Dadurch ist dieses Buch vieles zugleich: Porträt einer Person mit Migrationshintergrund, Beschreibung eines jugendlichen Lebens, Erklärung von türkischen Lebensweisen, und eindringlicher Gedankenstrom einer besonderen jungen Frau, die kein Blatt vor den Mund nimmt und dadurch ihren Lesern viele Denkanstöße mit auf den Weg gibt.

Die Erzählweise der jungen Autorin ist dabei deshalb so einnehmend, weil sie so sehr darauf bedacht ist, alle Seiten zu erklären, die Dinge in das „richtige“ Licht zu rücken. Dadurch will sie dem Leser verdeutlichen, dass nicht alle Türken oder alle Deutschen über einen Kamm geschoren werden können.

Gerade weil Melda selbst so eine starke, eigenständige Persönlichkeit ist, wirkt ihre kämpferische, jugendliche Art so authentisch und überzeugend. Ein gelungenes Erstlingswerk, das das Thema „Migration“ sehr vielseitig beleuchtet!

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Grégoire im Kreis seiner Familie. Foto: farbfilm verleih

Grégoire Canvel führt ein perfektes Leben: Er ist Filmproduzent aus Leidenschaft, liebt seine aufregenden Filmprojekte und ist genau der Typ für dieses Business – immer das Telefon am Ohr, kaum Zeit zum Luftholen, schwierige Verhandlungen mit Geschäftspartnern führen. Grégoire arbeitet mit viel Hingabe, Engagement und Charisma. Erholung vom erfüllenden, aber anstrengenden Geschäftsalltag findet er im harmonischen Familienleben mit seiner Frau Sylvia und den drei entzückenden Töchtern. Er ist ein begeisterter Vater und erlebt mit seiner Familie viele Glücksmomente.

Doch der Spagat zwischen Familie und Beruf wird immer schwieriger. Denn Grégoire ist zu viele geschäftliche Risiken eingegangen, hat zu viele Produktionen begonnen und zu viele Schulden angehäuft – seiner Produktionsfirma droht der Untergang. Aber das sieht anfangs keiner und so nimmt Grégoire alleine den Kampf gegen den Bankrott auf, strampelt, versucht die Firma zu retten, steckt aber immer weiter (nicht vorhandenes) Geld in laufende Produktionen. Irgendwann ist er gezwungen, sich sein Scheitern einzugestehen. Sein innerer Druck wächst von einer lähmenden Müdigkeit bis hin zu großer Verzweiflung – schließlich jagt er sich eine Kugel in den Kopf. Er hinterlässt seine verwirrte Familie, konfrontiert mit Wut, Trauer und Verzweiflung, und eine marode Produktionsfirma. Grégoires Witwe Sylvia beschließt den Kampf aufzunehmen und die verschuldete Firma zu retten. Und die Töchter müssen lernen, ein Leben ohne Vater zu führen – jede auf ihre Weise.

Einfühlsame Bilder

Grégoire liebt seine Töchter. Foto: farbfilm verleih

Mia Hansen-LØve gelingt es in diesem Film, die verschiedenen Arten der Trauerbewältigung auf eine sehr einfühlsame und stille Art und Weise einzufangen. In schönen Bildern und Einstellungen hält sie Glücksmomente ebenso wie Augenblicke voller Trauer fest, in denen der Zuschauer den Personen sehr nahe kommen kann. Es sind vor allem kleine Gesten und Mimiken, die die Gefühle der Personen transportieren – nicht alles muss explizit ausgesprochen werden und genau das macht diesen Film so intensiv und besonders.

Speziell ist auch der Aufbau des Dramas. Der Selbstmord bildet weder den Anfang noch steht er als tragischer Höhepunkt am Ende der Erzählung. Er geschieht in der Mitte des Films, ist das Herzstück, um das sich alles aufbaut, der Wendepunkt in der Familiengeschichte. Eine lange Einleitung zeichnet ein deutliches Bild des zerrissenen Grégoires.

Der Film bejaht die Erfüllung, die er durch seine Familie und eigentlich auch durch seine Arbeit erfährt. Nur ganz langsam kommen Gesten des Schwankens und Schwimmens dazu, bis sich die Verzweiflung so sehr gesteigert hat, dass sie im Selbstmord mündet. Danach bekommt der Film eine neue Wende, zeigt Sylvias Kampf um die Firma und den Umgang der Familienmitglieder und Geschäftspartner mit Grégoires Tod. Auch hierfür nimmt sich die Regisseurin viel Zeit und findet einfühlsame, ausdrucksstarke Bilder.

Verdienter Sonderpreis - Trotz vieler Themenbereiche

Das Plakat zum Film. Foto: farbfilm verleih

Einziger Kritikpunkt des sehenswerten Dramas: Nach dem Selbstmord fehlt Grégoire als Person, die alle Handlungsstränge zusammenhält, und die Gesamthandlung tritt etwas in den Hintergrund.

Dafür steigt die Konzentration auf einzelne Personen und Handlungsstränge – die sind zwar alle nachvollziehbar und zueinander passend, aber es bleibt das Gefühl, dass alle Themenbereiche nur ein Stück weit angeschnitten werden. Dadurch wirkt der letzte Teil des Films nicht sehr stringent.

Trotzdem finden sich auch hier wieder schöne Bilder, die viel im Stillen ausdrücken. Ein besonderer Film, der trotz oder gerade wegen der speziellen Machart und den intensiven Bildern zu beeindrucken vermag.

Bei den Filmfestspielen in Cannes bekam dieses gelungene Werk den Spezialpreis „Un certain regard“, der hauptsächlich Erstlingswerke und Nachwuchstalente fördern soll.

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Das Plakat zum Film. Foto: realfictionfilme

“Boa, die Pina ist voll cool ey!” – Nicht gerade der übliche Kommentar über eine weltberühmte Tänzerin und Choreographin, aber genau so empfindet das ein Schüler aus Wuppertal bei Pina Bausch. Er hat bei einem ihrer letzten Projekte mitgemacht: “Kontakthof mit Teenagern ab 14″. Rund 40 Jugendliche von verschiedenen Wuppertaler Schulen konnten an dem Tanzprojekt teilnehmen: Das hieß für die Jugendlichen jeden Samstag üben, üben, üben. Innerhalb eines Jahres haben sie Pina Bauschs Stück “Kontakthof” aus dem Jahr 1978 einstudiert. Ein Kamerateam durfte die Proben begleiten. Der Film “Tanzträume – Jugendliche tanzen Kontakthof von Pina Bausch” zeigt die deutsche Tanzlegende letztmalig vor ihrem Tod. Sie starb im Sommer 2009 unerwartet an Krebs.

Pina Bausch im Porträt

Pina Bausch. Foto: Atsushi Iijima

Die letzten Aufnahmen der zum Drehzeitpunkt 68-jährigen Choreographin zeichnen ein authentisches Bild der Person Pina Bausch. Der Film porträtiert eine konzentrierte, streng wirkende Frau, die mit regungslosem Gesicht, aber mit vollkommen wachen Augen die Proben beobachtet. Eine Frau, die genau weiß, was sie will und wo es hingehen soll. Umso eindrucksvoller ist es, wenn die Kamera den Hauch eines Lächelns einfängt, das Leuchten in den Augen und den weichen Ausdruck im Gesicht, wenn Pina Bausch sich dezent freut. Anne Linsel und Peter Hoffmann spüren in ihrem Dokumentarfilm der Person Pina Bausch nach und finden eindringliche, fast liebevolle Bilder. Der Film lässt auch Außenstehende erahnen, wie sie war, wie sie gearbeitet hat und was für eine besondere Persönlichkeit diese Frau besaß.

Mittelpunkt der Dokumentation ist aber nicht Pina Bausch. Es sind die Proben zu ihrer Inszenierung “Kontakthof”, auf denen das Hauptaugenmerk des Films liegt. 1978 wurde das Stück vom Tanztheater Wuppertal uraufgeführt, 1999 dann mit Laien neu inszeniert: “Kontakthof mit Damen und Herren ab 65″ wird noch heute mit großem internationalen Erfolg gespielt. Für eine dritte Version mit Jugendlichen zwischen 14 und 18 startete Pina Bausch das Projekt für Wuppertaler Schüler/innen.

Intensive Probenarbeit

Die 40 Teilnehmer/innen haben völlig verschiedene Hintergründe, sind unterschiedlich alt und kennen sich zu Beginn der Probenzeit nicht – sie müssen sich erst zu einer harmonischen Gruppe zusammenfinden. Zu einer Gruppe mit dem gemeinsamen Ziel, das Stück zu erarbeiten und einzustudieren. Angeleitet werden sie dabei von den ehemaligen Bausch-Tänzerinnen Jo Ann Endicott und Bénédicte Billiet und von Pina Bausch selbst, die die Probenarbeit begleitet und regelmäßig vorbeikommt. Die Probenleiterinnen lernen die Jugendlichen mit der Zeit sehr gut kennen und können einschätzen, was ihnen zuzutrauen ist und was nicht. Der Film dokumentiert eindrucksvoll, wie sie die Teilnehmer fordern und fördern, wie sie Dinge aus ihnen herauszuholen verstehen, die die Schüler/innen von sich selbst nicht erwartet hätten. Der Zuschauer kann wunderbar die Entwicklungen verfolgen, die die Jugendlichen durchlaufen, er kann sehen, wie viel selbstsicherer sie werden, wie sie an ihren Aufgaben wachsen und wie sich das Stück Probe für Probe weiterentwickelt.

Die Jugendlichen bei der Premiere. Foto: Ursula Kaufmann

Ganz nah dran am Geschehen fängt der Film “Tanzträume – Jugendliche tanzen Kontakthof von Pina Bausch” kleine Gesten und Blicke ein, Sequenzen, die Fortschritte und Lerneffekte dokumentieren. Genauso zeigt der Film Schwierigkeiten bei den Proben und verdeutlicht, was alles hinter solch einem Stück steckt, wie schwierig es zum Beispiel sein kann, sich mit dem Thema der Inszenierung auseinanderzusetzen: Es geht um die Suche nach Liebe und Zärtlichkeit, aber auch um die damit verbundenen Enttäuschungen und Aggressionen. Schwierige Themen für Jugendliche, die damit größtenteils kaum Erfahrung haben. Da gibt es Grenzen und das Gefühl, nicht richtig aus sich herausgehen zu können. Aber das lernen die Teilnehmer – von der Kamera dezent und zurückhaltend dokumentiert.

Der Film ist ein kleines Kunstwerk

Der Dokumentarfilm ist ein rundes Gesamtkunstwerk: Er gibt tiefe Einblicke in persönliche Hintergründe, kommt sehr nah an die Jugendlichen heran. Zwischendurch konzentriert er sich auf einzelne Situationen oder Personen, um dann wieder die Probenarbeit im Ganzen zu betrachten. Der Film ist ein perfektes Wechselspiel aus Nähe und Ferne und zeichnet ein eindrucksvolles Bild dieses Projekts, das in jedem Beteiligten etwas bewegt zu haben scheint.

Und genau das wollte Pina Bausch erreichen. Sie wollte die Jugendlichen vor allem ermuntern, sie selbst zu sein. Sie wollte einen Kontakthof, der die Jungen und Mädchen mit ihren Ängsten, Gefühlen, Wünschen und Träumen widerspiegelt. So einen Kontakthof haben die Jugendlichen geschaffen. Unter der Aufsicht und Anleitung einer berühmten Tänzerin und Choreographin. Unter der Aufsicht von Pina Bausch, die nach Ansicht der Schüler/innen “nicht ganz ohne, aber sehr cool” ist. Auch durch den neuen Film bleibt die “coole” Pina lebendig.

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Judith Binias. Foto: Nils Jacobi

Judith, im Februar kommt dein zweiter Gedichtband heraus. Warum schreibst du ausgerechnet Gedichte?
Gedichte bieten die Möglichkeit, etwas kurz im Wesentlichen zu beschreiben. Lyrik ist sehr auf den Kern einer Sache reduziert. Man kann Nebensächlichkeiten Beachtung schenken, also kleine Momente oder Handlungen in den Mittelpunkt stellen, die sonst keiner bemerkt hätte. Und dann betrachtet man sie näher. Das ist so, wie wenn man bei einem Film die Stopptaste drückt und etwas bewegungslos und herangezoomt sieht. Genau das gefällt mir. Es ist meine Form, mich auszudrücken. Andere malen Bilder, formen Skulpturen oder singen Lieder. Ich schreibe einfach gerne, und Gedichte ganz besonders, weil ich es mag, wenn etwas schön klingt.

Worüber schreibst du?
Das ist ganz unterschiedlich. Ich schreibe viel über Momente und Augenblicke. Über winzige Augenblicke zwischen zwei Sekunden, auf die fast keiner achtet. In meinen Gedichten geht es selten um etwas Gegenständliches oder Offensichtliches. Bei Gedichten ist es ja oft so, dass man merkt: Aha, Person A hatte gerade Liebeskummer und will Person B etwas mitteilen. Das ist mir zu einseitig. Ich möchte, dass man sich eindenken kann. Das Gedicht soll von verschiedenen Menschen verschieden gelesen werden können. Deshalb stelle ich sozusagen Themen in den Raum, die zum Nachdenken anregen. Da ist dann bestimmt auch meine Meinung drin, aber um die geht es nicht.

Dir geht es nicht darum, deine eigenen Einstellungen zu vermitteln? Warum nicht?

Das Buchcover von "Insomnia - Begegnungen unter der nächtlichen Sonne". Gestaltung: André Decker

Weil es die Freiheit der Leser beschränken würde. Ein Text an sich bietet so viele Möglichkeiten der Interpretation – das möchte ich nicht einschränken. Natürlich ist in meinen Gedichten auch etwas Autobiographisches drin, davon kann sich, glaube ich, kaum Jemand befreien. Deshalb schreibe ich natürlich schon irgendwie aus meiner Perspektive, aber es ist nicht so, dass ich der Welt etwas ach so Wichtiges mitzuteilen hätte. Ich schreibe ja auch eigentlich für mich selbst – mit der Möglichkeit, das hinterher zu veröffentlichen. Und dann können meine Gedichte vielleicht Denkanstöße geben, aber sie sollen kein erhobener Zeigefinger zu bestimmten Themen sein.

Glaubst du, dass Jeder einen Zugang zu deinen Gedichten finden kann?

Nein, das glaube ich nicht. Aber das hat eher etwas mit Lyrik im Allgemeinen zu tun. Das ist nämlich zum einen erstmal Geschmacksache. Nicht jeder kann etwas mit Lyrik anfangen. Das ist so, wie wenn man mich umgekehrt in ein Fußballstadion stellen würde. Dazu habe ich keinen Zugang, weil es meinen Geschmack nicht trifft. Und dann hat es zum anderen sehr viel damit zu tun, wie sehr man sich auf Gedichte einlassen kann und wie sehr man sich mitnehmen lässt. Und das wiederum hat viel damit zu tun, wie man ist und worüber man nachdenkt. Ich glaube, dass der allgemeine Wunsch nach Kommunikation immer mehr zurückgeht und viele Menschen sich nicht mehr bewusst fragen, wie es anderen geht, wie sie handeln und was sie vielleicht aussenden.

Also findest du, dass Gedichte nicht unbedingt das Unterhaltungsmedium der breiten Masse sind. Was glaubst du, woran das liegt?
Wenn man etwas von Lyrik haben will, muss man sich damit auseinander setzen. Gedichte sind meistens sehr kurz und man kann sie in zehn Sekunden durchlesen, aber man muss darüber nachdenken, wenn man etwas davon haben will. Und dafür ist die Welt zu schnell geworden. Früher war Lyrik ja sehr populär, es war die Ausdrucksform schlechthin. Aber da hatten die Menschen auch vom Inneren her mehr Zeit. Jetzt greift man schnell zur Fernbedienung – und dann muss man sich auf gar nichts mehr einlassen.

Im Deutschunterricht in den Schulen werden Gedichte aber doch meistens besprochen. Warum bekommen darüber nicht mehr Jugendliche einen Zugang zu Lyrik?

Judith Binias schreibt über Begegnungen verschiedener Art. Foto: Nils Jacobi

Weil man Gedichte in der Schule lesen und stundenlang interpretieren muss – das habe ich auch gehasst. Man hat als Schüler das Gefühl, das Gedicht sei ein Feind, der zerlegt werden muss. Ich glaube, dass die Schule da viel vermiest, wenn zum Beispiel nur alte Gedichte mit ganz viel Sülze in der Feder gelesen werden. Damit kann natürlich kaum Jemand etwas anfangen, das ist ja ganz klar. Und die neueren Gedichte, die gelesen werden, sind teilweise einfach zu extrem und abgefahren, das schreckt dann auch nur ab.

Deine Gedichte sollen sicherlich Niemanden abschrecken. Worum geht es in deinem neuen Gedichtband „Insomnia – Begegnungen unter der nächtlichen Sonne“?

Die Gedichte handeln ganz allgemein von Begegnungen. Manchmal geht es ganz explizit um eine bestimmte Begegnung, manchmal aber auch nur um Begegnungen im Allgemeinen. Das alles betrachte ich aus dem Blickwinkel der Schlaflosigkeit. Insomnia ist der Zustand, wenn der Wachzustand durch extremen Schlafmangel überfordernd ist und man eine gewisse Offenheit für Dinge erreicht, die man sonst nicht hat. Man löst sich sozusagen aus den Fesseln der Realität. Manche Gedichte sind in diesem Zustand entstanden und das Buch insgesamt drückt dieses Insomnia-Gefühl aus.

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„In einer unperfekten Umgebung ist mehr Raum für Kreativität“ – das ist der Grundgedanke des Künstlerhauses. Und deshalb ist dieser rund 4500 Quadratmeter große Kreativitäts-Tiegel auch unperfekt. „Unperfekt ist alles, was nicht vordefiniert ist. Ein Einkaufszentrum zum Beispiel ist vordefiniert. Es ist durchgestylt. Von der Musik, über die Wandfarbe bis hin zur Klimaanlage passt alles zusammen. Und das tut es bei uns nicht“, erklärt Pressesprecher Markus Urselmann.

Das „Unperfekthaus“ ist offen, vielseitig und anders. Kreativität jeder Art hat Platz an diesem Ort, der laut Urselmann ein „öffentlicher Werkzeugkasten“ ist. „Du fragst dich: Was brauche ich davon? Und dann nimmst du es dir.“ Hört sich einfach an – und das ist es auch. Denn jeder, der in irgendeiner Form kreativ und interessant für die Besucher ist, kann sich hier ausprobieren.

Ein Forum für Künstler

Das Treppenhaus im Unperfekthaus sieht auf jeder Etage anders aus. Foto: Linda Klimmek

Reinhard Wiesemann, Gründer und Finanzier des Hauses, wollte mit dem „Unperfekthaus“ einen Ort schaffen, der Kreativen ein Forum bietet, vielleicht sogar ein Sprungbrett. Vor allem aber kann man hier Erfahrungswerte sammeln und herausfinden, was bei den Leuten gut ankommt. „Wir wollen Chancen geben, aber wir sind auch ein Ort des Scheiterns – allerdings im positiven Sinne. Stell dir vor, du hast zehn Ideen, sieben scheitern, aber drei klappen – das ist doch toll! Und das kann man hier ohne finanziellen Druck ausprobieren“, so Urselmann.

Kreative können für 45 Euro pro Quartal ein Atelier im „Unperfekthaus“ bekommen, kann dort arbeiten und ausstellen, egal, was er macht. Deshalb arbeitet hier die Goldschmiedin nach fünf Jahren Berufspause, neben dem selbständigen Berufsmaler und der wiederum neben dem Rentner, der mit Schaffnermütze seine heiß geliebte Modelleisenbahn ausstellt. Solange das Tun der Künstler legal ist und sie sich beim Arbeiten über die Schulter schauen lassen, ist alles erlaubt.

Die Türen stehen immer offen

Eben dieses Über-die-Schulter-Schauen ist im „Unperfekthaus“ Gang und Gäbe. Tagesgäste, die sich für 5,50 Euro den ganzen Tag im Haus aufhalten dürfen, können kostenlos trinken, das Internet nutzen, lernen, Unterhaltungen führen, an Veranstaltungen teilnehmen oder einen Seminarraum mieten und einen Vortrag halten. Die Besucher können aber eben auch jederzeit durch das ganze Haus laufen, Bilder und Skulpturen betrachten, in Ateliers hineinschauen, mit Künstlern sprechen oder auch einfach das bunt gestaltete Treppenhaus bewundern.

Eine Sitzecke der besonderen Art. Foto: Linda Klimmek

Die Tagesgäste gehören laut Urselmann sozusagen zur perfekten Seite des „Unperfekthauses“ – sie sind eines der drei Standbeine, durch die sich das Haus finanziert. „Wir sind ein privatwirtschaftliches Unternehmen, das alles wieder erwirtschaften muss, was es an Künstler abgibt“, erklärt Urselmann. Die beiden anderen Standbeine seien der Restaurantbetrieb und Events wie Seminare, Hochzeiten und ähnliches.

Und was erwartet Besucher des Künstlerhauses? Die haben hier viele Freiheiten und können sich in einer offenen, kreativen Umgebung aufhalten. „Das Haus ist eine tolle Mischung aus öffentlich und privat – man findet schnell jemanden zum Unterhalten, aber man kann auch seine Ruhe haben, wenn man will. Ich bin ja schließlich nicht jeden Tag und jede Minute gleich drauf, da passt das gut“, findet Besucherin Nicole Justen. Auch Mischa Bach ist gerne im „Unperfekthaus“. „Hier ist alles so weit und offen, da kann man einfach durchatmen“, erzählt sie begeistert.

Künstler mögen die Atmosphäre des Hauses

Ariyadasa Kandege arbeitet gerne in seinem Atelier im Unperfekthaus. Foto: Linda Klimmek

Aber nicht nur die Besucher, sondern auch die Kreativen und Künstler fühlen sich wohl in dem vielseitigen Haus. Ariyadasa Kandege aus Sri Lanka ist schon von Anfang an mit dabei. „Das Unperfekthaus ist das Beste, das mir als Künstler passieren konnte. Ich bin jetzt bestimmt zehn Mal bekannter als vorher und es ist ein schönes Arbeiten hier. Manchmal ist es ruhig, aber am Wochenende kommen oft viele Leute zum Zugucken und dann hat man Unterhaltung – das macht Spaß“, erzählt der selbständige Künstler. Bei Events verkaufe er auch schon mal das ein oder andere Werk – ob nun in Postkartenformat oder als große Reproduktion. Am schönsten findet Kandege aber die nette und offene Atmosphäre des Hauses.

Diese warme und besondere Ausstrahlung ist für jeden Besucher zu spüren und lockt zurück an diesen Ort. Auch Studenten finden immer wieder den Weg ins „Unperfekthaus“. „Wenn Klausurzeit ist, dann merken wir das richtig. Dann kommen viele Studenten hierhin, suchen sich eine stille Ecke zum Lernen und bleiben oft den ganzen Tag“, erzählt Urselmann.

Aber egal ob zum Power-Learning in einer kreativen Umgebung, für einen netten Plausch mit der besten Freundin oder für Kunstbegeisterte, die sich gerne Bilder und Skulpturen anschauen wollen, ist das „Unperfekthaus“ in Essen genau das Richtige.

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Akrobatische Showeinlagen zu pulsierenden Rhythmen. Foto: Steve McNicholas

Ganz egal, worauf die acht Darsteller trommeln, was sie schütteln, werfen oder schieben – die Rhythmen explodieren! Mit unbändiger Kraft spielt jeder Performer seinen eigenen Rhythmus und das ergibt ein beeindruckendes Gesamtkunstwerk. Die Show lebt von interessanten Ideen und dem puren Rhythmus, größtenteils durch einfache Alltagsgegenstände erzeugt: Die Darsteller schütteln Streichholzschachteln, rühren in Kochtöpfen, klappen Plastikstühle auf und zu, trommeln auf Blechtonnen und hauen Rohre auf den Boden. Aber auch mit Händen, Füßen, Zähnen und Zunge lassen sich hervorragend Rhythmen kreieren, wie die Stomp-Performer eindrucksvoll unter Beweis stellen. Hauptsache das Ergebnis ist laut und pulsiert. Und das tut jede einzelne Nummer der abwechslungsreichen Show. Fließend geht eine Szene in die nächste über und immer neue Gegenstände und Sounds sorgen für Verblüffung.

Das Publikum ist begeistert

Das Premierenpublikum im Konzerthaus reagiert mit tosendem Zwischen-Applaus auf jede einzelne Showeinlage. Denn die Zuschauer sind durchweg begeistert: „Stomp ist einfach absolut genial: Total einfallsreich, technisch perfekt und konditionell hervorragend!“, lobt Zuschauer Michael Sannemann. Auch Martina Wallerat findet die Show sehr gelungen: „Da stimmt einfach alles! Die Darsteller harmonieren toll miteinander und das Zusammenspiel von Rhythmus und Choreografie ist genial – da will man direkt mittrommeln!“

Die Stompdarsteller fegen und donnern ihre Holzbesen auf den Boden. Foto: Steve McNicholas

Und das muss man auch, denn die Darsteller beziehen das Publikum immer wieder mit in die Show ein. Da heißt es nachklatschen, -schnippen und -stampfen. Sofort springt der Funke über, als einer der acht Improvisationskünstler den Zuschauern verschiedene Abfolgen vorklatscht. Nur durch Gestik und Mimik kommuniziert er mit dem Publikum. „Ach kommt, probiert’s doch mal – ihr schafft das schon“, scheint sein Blick zu sagen. Und das Publikum folgt seiner Aufforderung bereitwillig. Das sorgt bei dem sympathischen Stomp-Darsteller für gespielte Verzweiflung und beim Publikum für viele Lacher.

Komische Szenen bringen das Publikum zum Lachen

Überhaupt ist die Show voll von Komik: Ein „Tollpatsch“ bietet immer wieder lustige Showeinlagen, die sich wie ein roter Faden durch die anderthalb Stunden ziehen. Dabei verstehen es alle Charaktere sehr gut, die Komik einer Situation nur pantomimisch zum Ausdruck und das ganze Konzerthaus ohne ein einziges Wort zum Lachen zu bringen.
„Das Besondere an der Show ist die nonverbale Kommunikation. Stomp spricht eine Sprache, die in der ganzen Welt verstanden wird“, versichert Pressesprecher Dietmar Maier.

Diese Donuts klingen richtig gut. Foto: Steve McNicholas

Das mag vielleicht auch daran liegen, dass die Darsteller sich untereinander blind zu verstehen scheinen. Jeder Performer hat eine ganz eigene Ausstrahlung und einen anderen Hintergrund: Manche sind ursprünglich Tänzer, andere Straßenmusiker, die nächsten Künstler. Sie alle verbindet der Rhythmus im Blut und zusammen ergibt die Gruppe ein harmonisches Ganzes. Wenn zehn Blechbüchsen zwischen nur acht Händepaaren hoch über dem Boden gleichzeitig hin und her fliegen, dann hört sich das toll an und die Büchsen kommen garantiert dort an, wo sie sollen – da kann das Publikum wieder nur staunen.

Die Ursprünge der Show

Was heute eine weltweit bekannte und gefeierte Show ist, hat als kleines Straßentheater-Projekt begonnen. Anfang der Neunziger Jahre feierte Stomp nach zehnjähriger Zusammenarbeit seiner Erfinder Luke Cresswell und Steve McNicholas in England Premiere. Heute bilden rund 100 Darsteller eine große Stomp-Familie, die überall auf der Welt in verschiedenen Zusammensetzungen auftritt. Deshalb ist auch jede Show anders. „Jeder Performer hat seine Ecken und Kanten, so wie die Show auch – da entsteht bei jeder Aufführung etwas Neues, Unberechenbares“, erklärt Pressesprecher Dietmar Maier.

Aber egal wie unberechenbar ein Abend bei Stomp auch ist – etwas Tolles kommt auf jeden Fall dabei heraus. Diese beeindruckende, temporeiche Show voller Rhythmen und Komik ist jeden einzelnen Eintritts-Euro wert!

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Wäscheleine der Gedanken. Foto: Linda Klimmek

„Weil ich ein Mädchen bin… darf ich nicht die Tafel in der Schule wischen“; „Weil ich ein Mädchen bin… kann ich im Dunkeln nicht auf die Straße gehen“; „Wenn ich ein Mädchen wäre… müsste ich ständig aufpassen, dass ich nicht schwanger werde“ – Viele solcher Gedanken sind direkt zu Anfang der Sonderausstellung zu lesen: Auf bunten Kleidungsstücken an mehreren Wäscheleinen.

Die DASA (Deutsche Arbeitsschutzausstellung) zeigt als erster Standort in Nordrhein-Westfalen die Ausstellung des „Kinderhilfswerks Plan“ über die weltweite Benachteiligung von Mädchen. Drei von ihnen stehen im Mittelpunkt: Asha, 13, aus Indien, die bald heiraten muss, Yoselin, 14, aus Ecuador, betreut eine Freundin, die bald ein Kind bekommt und Djenebou, 13, aus einem Dorf in Mali, Afrika, die nicht zur Schule geht, sondern arbeiten muss.

Drei Mädchen, drei Länder, drei Ausstellungsräume

Asha zeigt den Besuchern Indien. Foto: Linda Klimmek

Jede hat in der Ausstellung ihren eigenen Raum. Beim Eintreten wird der Besucher mit einem Foto und einer gesprochenen Begrüßung empfangen. Im Raum der Inderin Asha ist ihre alte Schule nachgebaut – ein paar Kissen liegen auf dem Boden, es gibt eine kleine Tafel und wenige Bücher. In einem anderen Teil des Raumes zeigen übereinanderliegende Schlafmatten mit der Aufschrift „Hier schläft Oma/Mama/Papa/mein Bruder…“ den knappen Platz in der Lehmhütte der Familie. Auch gibt es eine Ecke mit indischer Kleidung, Stempeltatoos und Infotafeln zum Thema Mitgift.

Yoselins Leben in den Anden dreht sich um das Weben – das zeigen die viele Wolle und mehrere Webrahmen sehr deutlich. Nebenan bei Djenebou aus Afrika ist ein Brunnen aufgebaut und Krüge zum Körnermahlen stehen bereit. Besonders ernst ist an dieser Station das Thema Beschneidung. Ein Film informiert über diese erschreckende Praxis.

„Die große Vielfalt der Ausstellung veranschaulicht die Probleme in den unterschiedlichen Ländern sehr gut“, findet Lehrerin Elvine Trester, die mit einer achten Klasse die DASA besucht: „Fotos, Filme, Audio-Beiträge. Das bringt die Thematik schon ein ganzes Stück näher.“

Auch Erwachsene haben Aha-Erlebnisse

Wolle und Weben gehören für Yoselin zum täglichen Leben. Foto: Linda Klimmek

Projektleiterin Sabine Kramer ist überzeugt, dass die Ausstellung Jugendliche und Erwachsene gleichermaßen anspricht. „Die Jugendlichen sollen die Möglichkeit bekommen, Parallelen zu sich selbst zu ziehen, sich vielleicht bewusst darüber zu werden, was es heißt, zu Hause einen Küchentisch mit Stühlen zu haben und nicht wie Asha auf dem Boden kochen und essen zu müssen.“ Für Erwachsene seien vielleicht Themen wie Gesundheitssysteme interessant. „Wenn einem durch die Ausstellung bewusst wird, dass sich in Indien im Schnitt 1.981 Menschen einen Arzt teilen müssen, denkt man vielleicht wieder anders über volle Wartezimmer in Deutschland“, so Kramer.

Und auch Dinge aus dem Alltag der Mädchen können „Aha“-Erlebnisse auslösen. „Man weiß Vieles zwar so grob, aber mir war zum Beispiel gar nicht bewusst, dass sich ein indisches Mädchen ihr Essen wirklich täglich neu verdienen muss. Oder dass ihr Tag von vier Uhr morgens bis 20.30 Uhr abends keine einzige Pause hat“, erzählt Besucherin Angela Lenders.

Solche Gedanken können die Ausstellungsbesucher dann mit in den Wunschraum nehmen. Dort hängen unzählige bunte Stofffetzen an der Wand, auf die Wünsche geschrieben werden – entweder für sich selbst oder für alle Mädchen auf dieser Welt.

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Nathaniel und Steve Lopez vor der Beethoven-Statue in L.A. Foto: participant media

Steve Lopez, Journalist bei der Los Angeles Times, und Nathaniel Ayers Junior, ein obdachloses Musikgenie, könnten unterschiedlicher nicht sein. Bei ihrem ersten, zufälligen Treffen redet Nathaniel ununterbrochen über Beethoven. Lopez kommt kaum zu Wort und ärgert sich über diesen komischen Menschen, dem er da begegnet ist.

Wenig später, in der Redaktion der L.A. Times, bekommt Lopez Druck von der Chefin. Er braucht ein Thema. Schon länger ist er auf der Suche nach einer guten Story und findet einfach keine - bis ihm plötzlich der Beethoven-Mann wieder einfällt. Sofort macht er sich auf die Suche nach dem Obdachlosen und findet heraus, dass Nathaniel früher an der Julliard-School studiert hat. Dort heißt es: “Nathaniel war der begabteste Junge, den ich je kennengelernt habe!” Damit steht Lopez Entschluss fest: Er will eine Kolumne über das ehemalige Musikgenie schreiben.

Immer wieder trifft der Journalist den verwirrten Mann und holt sich neue Ideen für seine Kolumne. Zwischen Nathaniel und ihm entsteht eine Freundschaft. Doch mit der Zeit sieht sich Lopez in der Rolle, seinem neuen Freund helfen zu müssen - schließlich ist Nathaniel schizophren und kann nicht wie andere Menschen leben.

Die beiden Freunde hören sich eine Orchesterprobe an. Foto: participant media

Ein Film ohne große Worte

“Der Solist” ist ein Film über zwei vollkommen unterschiedliche Charaktere, die eine ganz besondere, natürliche und kontrastreiche Freundschaft zueinander aufbauen. Der Film erzählt vollkommen unaufgeregt von der tiefen Bindung zwischen den beiden Männern, ohne jemals große Worte darüber zu verlieren. Es bleibt dem Zuschauer selbst überlassen, die Zuneigung und das wachsende Vertrauen der beiden Freunde zu beobachten.

Auf eine ebenso stille und respektvolle Art thematisiert der Film das Ausgeliefert-Sein Nathaniels gegenüber seiner Krankheit. Er zeigt nicht nur die Eingeschränktheit im Leben des Kranken, sondern auch die hoffnungsvolle, kindliche und natürliche Art und Weise, auf die Nathaniel sein Leben lebt.

Die Schauspieler Robert Downey Jr. und Jamie Foxx

Der junge Nathaniel ist in seinem Element: Er spielt Beethoven. Foto: participant media

Den beiden Schauspielern gelingt es sehr gut, die Unterschiedlichkeit ihrer Charaktere zu transportieren, ohne dass Lopez jemals überlegen wirkt und die Figur des Nathaniel in den Schatten stellt. Im Gegenteil: trotz der Unterschiedlichkeit in ihren Rollen wirken die beiden vollkommen gleichwertig. Sehr authentisch verkörpern Robert Downey Junior und Jamie Foxx die Charaktere Steve Lopez und Nathaniel Ayers.

“Der Solist” ist ein wunderbar stiller und gleichzeitig kraftvoller Film, der den Zuschauer über die ganze Länge hinweg in seinen Bann zieht. Ein besonderer und absolut sehenswerter Film, der zum Nachdenken anregt und trotzdem Lebensfreude mit auf den Weg gibt.

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Acht Frauen: auf dem Foto, auf der Bühne, und im bekannten gleichnamigen Film "8 Frauen", an den die Inszenierung angelehnt ist. Foto: Nils Jacobi

So fangen sie meistens an, die Proben für das Theaterstück “Die 8 Frauen” im “theater narrenschiff” in Unna. Seit Mitte Oktober laufen die Proben für das Stück, das am 13. Dezember Premiere feiert. Mittlerweile – nur noch ein paar Tage vor der Erstaufführung – stehen Kostüme und Perücken größtenteils fest und auch der umfangreiche Text sitzt fast fehlerfrei. Hier und da liegen noch Skripte mit gelb markierten Passagen herum, aber die kommen höchstens noch in den Pausen für ein schnelles Nachlesen zum Einsatz und finden nur noch selten den Weg mit auf die Bühne.

Und darum geht es

Die Geschichte des Stücks: Acht Frauen wachen morgens in einem Landhaus auf, eingeschneit und abgeschnitten von der Welt, und stellen fest, dass der einzige Mann im Haus tot ist – ermordet. Jede der acht Frauen hat ein Geheimnis, das sie verbergen will, deswegen ist es schwer herauszufinden, wer die Täterin ist. Vielleicht war es ja Pierette, eine verrucht-elegante Lebedame und Schwester des Toten. Oder dessen Witwe Gaby, Hausherrin und Diva der Provinz – sie wollte ihren Mann verlassen. Oder vielleicht Louise, das Dienstmädchen, das ein Verhältnis mit dem Ermordeten hatte? Alle Eingeschneiten haben irgendein Motiv, verdächtigen sich gegenseitig und spinnen Intrigen…
“Gerade die völlig unterschiedlichen Charaktere, die in diesem Haus aufeinandertreffen, machen das Stück so lustig und interessant”, findet Kathrin Bolle. Sie studiert Design Medienkommunikation an der FH Dortmund und schauspielert seit 2005 im “theater narrenschiff” in Unna. An den Proben gefallen ihr vor allem “das Zusammensein mit den Anderen, die lustigen Momente und dass man sich immer wieder neu ausprobieren kann”. Unter der Woche sind die Proben für sie ein guter Ausgleich zur Uni und bedeuten Entspannung – am Wochenende müsse sie sich dagegen eher mal aufraffen, erzählt die Darstellerin der verruchten Pierette.

In diesem Stück spielen fünf Dortmunder Studenten mit. Sie gehören zur kleinen “8 Frauen-Familie” des “theater narrenschiff” und fühlen sich dort sehr wohl. “Die Proben machen wirklich viel Spaß in so einer kleinen Gruppe. Bei großen Produktionen mit 25 Leuten wird es schon mal stressig – untereinander und auch was die Terminplanung angeht. Aber in unserer kleinen Gruppe ist die Stimmung immer sehr gut und lustig”, erzählt Kuwi-Studentin Lilja Kopka. Und wirklich, die Truppe wirkt wie eine echte kleine Familie – sogar ein Baby und Theaterhündin Emma sind meistens mit dabei.

Auf der Bühne

Auf der Bühne stehen “Die acht Frauen” und proben die letzte Szene. “So, und an der Stelle kommst du dann schon die Treppe herunter, Cara”, wirft der Regisseur ein. Sehr engagiert dirigiert er seine Schauspieler und gibt mit viel Ruhe seine Anweisungen. “Danach stellt ihr euch alle in eine Reihe auf und schaut ganz neugierig. Ungefähr so… .” Also stehen acht Frauen in acht völlig unterschiedlichen, bunten Kostümen in einer Reihe und schauen neugierig. André ist zufrieden und lobt seine Schauspieler. Die Freude an seiner Arbeit ist offensichtlich und nichts scheint ihn aus der Ruhe bringen zu können, auch keine kleinen Textaussetzer. “Oh nein, was sage ich da noch mal?” “Es war ein Versehen”, hilft Regieassistentin Judith. “Ach ja, also: Es war ein Versehen” – Und schon geht es weiter im Text.

Wer ist die Mörderin? Auf dem Bild sind fünf der acht potentiellen Täterinnen... Foto: Nils Jacobi

Mit Spaß und vielen Lachern, aber auch mit Ernsthaftigkeit und Ehrgeiz probt die kleine Schauspielertruppe das Stück von Robert Thomas, das in seiner Geschichte dem Film “8 Frauen” von Francois Ozon entspricht. “Uns allen gefällt das Stück sehr und jede von uns mag ihre Rolle. Jeder Charakter ist irgendwie einzigartig und besonders”, findet Lilja, die Darstellerin der Susanne. Da nimmt sie es auch gerne in Kauf, sich mit ihrer schwarzen Kurzhaar-Perücke wie ein Beatle zu fühlen…

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Hübsche Frauen in tropischen Kostümen drücken das Motto der Show aus: Lebensfreude. Foto: Florian Hückelheim

„Die Show hat keinen roten Faden im Sinne einer Geschichte, die durch das ganze Spektakel begleitet. Vielmehr besteht sie aus vielen kleinen Elementen und kurzen Handlungsabschnitten, die einfach Lebensfreude ausdrücken sollen“, erklärt der 20-jährige Peter Pfahl aus Erfurt. Genau diese Vielseitigkeit der Themen und die Abwechslung von ruhigen und euphorischen Nummern machen die Show seiner Meinung nach aus.

Von eleganter Luftakrobatik hoch über dem Eis, tänzelnden Teddybären, schwebenden Damen mit schneeweißen Kleidern und riesigen Hüten, bis hin zu flippigen Mädels in Petticoats und Männern in neon-organgefarbenen Sambakostümen ist alles dabei in der „Tropicana“-Show. Bei Gruppentänzen bilden die Eiskunstläufer Formationen, bewegen sich synchron und sehen insgesamt sehr einheitlich aus. Bei anderen Nummern zeigt in der Mitte der Eisfläche ein Paar seine Choreografie, während um sie herum Läufer in den verschiedensten Kostümen und Farben umherwirbeln – in jeder Ecke ist etwas anderes zu sehen und die ganze Eisfläche ist in Bewegung.

Knallige Bühnenbilder

Begleitet werden die verschiedenen Tänze von rasanten Bühnenbildern – die bewegen sich in schneller Abfolge auf einer riesigen LED-Wand im Hintergrund und strahlen den Zuschauern in ähnlich knalligen Farben entgegen wie die Kostüme. „Der Hintergrund ist wunderschön und wirklich sehr passend“, findet Zuschauerin Kerstin Barenbrügge. „Aber leider lenkt er auch ein bisschen ab, weil er sich so schnell verändert. Da vergisst man zwischendurch manchmal die Läufer, das ist ein bisschen schade.“ Auch Irmgard und Wolfgang Kurzbuch finden, dass man sich während der Show auf sehr viel gleichzeitig konzentrieren muss. „Man muss seinen Kopf schon oft hin und her bewegen – das ist wie bei einem Tennisspiel“, sagt Irmgard Kurzbuch und schmunzelt. „Aber das gehört auch dazu und macht die Show aus. Sie ist dafür schließlich sehr abwechslungsreich“, ergänzt Wolfgang Kurzbuch.

Günter Gottschalk hat sich Holiday on Ice schon die ganzen letzten Jahre angeschaut und kann deshalb einen Vergleich zwischen den vergangenen Shows und der neuen Produktion ziehen. Sein Urteil: „Dieses Jahr ist es besonders gut! Zum einen gehen die Macher mit der Zeit und ziehen ihren Tänzern nicht mehr so viele Federn an wie früher, das hat mir nie gefallen. Und zum anderen ist das Eiskunstlauf-Niveau in diesem Jahr viel höher als sonst. In den letzten Jahren hat man schon gemerkt, dass da Sprünge mal nicht geklappt haben und sich die Läufer schwerer getan haben – aber dieses Mal ist das wirklich besser“, freut er sich.

„Wir haben sehr gute Leute dabei – Vor allem die Paarläufer können viel“, findet der einzige deutsche Darsteller Peter Pfahl. Mit fünf hat er das Eislaufen begonnen und ist bis vor knapp zwei Jahren auch noch bei Wettkämpfen angetreten. Mittlerweile hat er den Wettkampfsport an den Nagel gehängt und konzentriert sich auf Shows, aber andere Darsteller treten teilweise noch bei Wettkämpfen an.

Drei Monate in Holland geprobt

Knallig bunte Kostüme dominieren die Show. Foto: Florian Hückelheim

Die 34 Holiday on Ice-Darsteller kommen aus 16 verschiedenen Ländern und haben sich für drei Monate in Holland getroffen, um gemeinsam die neue Show einzustudieren. „Die Proben haben von August bis Oktober gedauert und Anfang November war dann die Tropicana-Premiere in Hamburg. Die Show wird jetzt noch viele Male aufgeführt – bis Mai 2010“, erzählt Tourmanager Frank Paquet.

Für Peter Pfahl ist es eine tolle Erfahrung mit der Holiday on Ice-Truppe aufzutreten. „Das ist mal etwas ganz neues und natürlich etwas anderes als Wettkämpfe. Es ist schön, mit der Gruppe so viel erreichen zu können und etwas so Großes auf die Beine zu stellen. Außerdem sind wir ja sehr international und das ist wirklich spannend!“

Den Zuschauern bieten die Darsteller eine pompöse Show mit hohem Tempo und animieren das Publikum immer wieder zum Mitklatschen bei diesem abwechslungsreichen Eislaufspektakel.

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